Suivant les traces de pionniers de l'art cinétique tels que Wen-Ying Tsai, décédé en janvier 2013, des artistes de la Grande Chine, dont Taiwan et Hong Kong, expérimentent de plus en plus les nouveaux médias. Beaucoup de la jeune génération travaillent avec des logiciels et de la robotique pour créer des installations cinétiques interactives et immersives qui vont du performatif au participatif, et sont toutes des exemples étonnamment merveilleux dans la scène artistique montante du robot.
Dimension +
Dimension + est une nouvelle équipe de création d'arts médiatiques fondée par deux artistes de Taïwan et de Hong Kong, Escher Tsai et Keith Lam. Le collectif se concentre sur la fusion de l'art et de la technologie. Leurs projets visent à intégrer de nouveaux médias dans l'espace et de nouveaux arts médiatiques à l'industrie, à créer une conception interactive interdisciplinaire et à améliorer l'expérience du public avec l'interaction. Basée à l'ère numérique, Dimension + vise à combler la dichotomie entre numérique et physique, en transférant l'invisible et le numérique dans un élément visible et tangible, ce qui est réalisé en combinant les médias analogiques et numériques.
Dimension + a remporté de nombreux prix internationaux et a exposé dans des festivals, expositions et événements internationaux, notamment en Italie, en Autriche, au Japon, à Pékin, à Shanghai, à Guangzhou, à Hong Kong et à Taiwan.
Signal Morphor: The Orchestra est une installation interactive et performative qui transforme la communication en partition musicale et donne «vie» à des signaux immatériels (ou intangibles). Le public est l'interprète et la communication est traduite en audio-visuel. Un groupe de danseurs avec des parapluies fonctionne comme une sorte d'antenne humaine, traduisant ou décodant les signaux de communication en réagissant aux informations qu'ils reçoivent et en y réagissant.
La série d'œuvres intitulée Vertebra récemment présentée au Taipei Digital Arts Festival 2013 et dans The Innovationists, présente une exposition d'arts cinétiques et robotiques au K11 Mall à Hong Kong et au Taipei Museum of Contemporary Art. Les œuvres utilisent le papier comme matériau principal et sont des reproductions de colonnes vertébrales qui ont la structure et la solidité animales ainsi que la douceur et la souplesse des plantes, créant un prototype hybride de la créature `` parfaite ''.
Eric Siu
Eric Siu est un artiste des nouveaux médias de Hong Kong travaillant avec l'art des appareils, l'art interactif, la cinétique, l'installation, la vidéo et l'animation. Il travaille maintenant en tant que directeur créatif chez Great Works Tokyo, une agence de publicité, et est membre du conseil d'administration du Videotage de Hong Kong depuis 2008. En 2005, il a obtenu un baccalauréat en médias créatifs de la City University de Hong Kong, puis a terminer un échange culturel et un projet de recherche de 12 mois aux États-Unis. Ses œuvres vidéo et multimédias ont été exposées dans le monde entier, notamment dans des institutions et des événements majeurs des nouveaux arts médiatiques tels que ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Asia, ISEA, Microwave, entre autres.
Son œuvre la plus populaire, Touchy, a remporté les éloges de la critique et le premier prix au WRO 2013, 15e Biennale internationale d'art médiatique, Wroclaw, Pologne et a été présentée sur Discovery Channel et d'autres publications médiatiques internationales. Touchy est un «appareil photo humain» - une personne portant un appareil photo - qui prend une photo lorsqu'elle est touchée pendant plus de 10 secondes. Le dispositif de casque portable a les fonctions d'une caméra comprenant une paire d'obturateurs automatisés, une caméra fonctionnelle et un écran interactif. Touchy est la plupart du temps aveugle derrière les volets, et l'œuvre d'art est en fait une transformation d'un humain en appareil photo. L'artiste appelle ce travail une «expérience phénoménologique d'interaction sociale qui se concentre sur la relation de donner et de recevoir en transformant littéralement un humain en caméra». Pour l'artiste, cette œuvre vise à apaiser les angoisses sociales de l'ère numérique en créant des interactions ludiques. Dans l'ère technologique actuelle, il y a eu une déshumanisation des contacts physiques et les interactions sociales se produisent de plus en plus virtuellement et numériquement. Touchy aborde ces problèmes en permettant des interactions avec des étrangers, impliquant un contact physique et la combinaison de l'homme avec un appareil de technologie sociale: une caméra, qui à son tour est un outil pour partager des souvenirs, des moments, des émotions, de la beauté.
Xia Hang
Xia Hang (né en 1978, Shenyang, province du Liaoning, Chine) a commencé à peindre à l'âge de 10 ans et a obtenu un BFA de l'Académie des beaux-arts de Lu Xun et un MFA du Département de sculpture de l'Académie centrale des beaux-arts de Pékin (CAFA). Pendant son séjour au CAFA, Xia a commencé à faire des sculptures d'hommes en forme de virgule en acier inoxydable poli, qui étaient les précurseurs de ses sculptures extraterrestres mécaniques actuelles.
Xia Hang a créé une série de sculptures ressemblant à des extraterrestres qui, avec des mécanismes, se déplacent, s'étirent et changent de forme avec l'interaction du public. L'artiste a créé de telles œuvres interactives qui ont été présentées pour la première fois dans son exposition de 2008 à Pékin, intitulée S'il vous plaît ne touchez pas (avec le `` toucher '' barré), défiant cette règle d'un musée et d'une galerie qui interdit de toucher des œuvres d'art. Xia Hang a estimé que ce type de signe détachait encore plus le spectateur et l'œuvre d'art.Il a donc décidé de créer des œuvres d'art qui rapprocheraient les deux, faisant des sculptures des jouets.
Xia Hang a également créé LM1 (Legacy Machine No. 1) en collaboration avec MB&F. L'œuvre est une montre qui conserve toutes les caractéristiques attrayantes de la LM1 originale inspirée de la montre de poche du XIXe siècle. La version Xia Hang présente une nouvelle fonctionnalité, sous la forme d'une sculpture miniature en acier inoxydable d'un homme qui indique la réserve de marche de la montre. 'Monsieur. Up ', la sculpture assise droite lorsque le mouvement est complètement enroulé, se transforme lentement en' Mr. Down ', une figure affaissée, lorsque la puissance diminue.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) est titulaire d'un BA en beaux-arts pour le design de la Batley School of Art and Design, Dewsbury College, Royaume-Uni. Actuellement, Wu est basé à Chengdu et apprend l'art traditionnel de la découpe du papier et travaille sur un projet cinétique. Ayant grandi en tant que jeune garçon introverti, Wu avait une passion pour démonter les choses et les reconstruire à partir de zéro. Découvrir un dysfonctionnement et trouver la solution est ce qui le rapproche du développement de ses propres travaux mécaniques. Wu se concentre sur la création d'engins et d'installations cinétiques qui nécessitent l'interaction du public et stimulent sa curiosité.
The Musical Typewriter est un exemple de ses installations interactives, invitant jeunes et adultes à jouer avec. Normalement, l'utilisation d'une machine à écrire est une activité d'écriture simple qui permet à l'utilisateur de savoir quel est le résultat de l'appui sur les touches. Dans l'installation de Wu, les clés sont reliées à une série de lignes de pêche reliées à de petits marteaux. Lorsque les touches sont enfoncées, les marteaux frappent une variété d'objets, tels que des pots de sauce pour pâtes vides, des canettes, des bouteilles, du papier d'aluminium, produisant des sons différents. Les connexions sont inconnues du public, ce qui entraîne une explosion sonore imprévisible. À l'heure actuelle, Wu essaie d'obtenir un financement ou un parrainage d'Ikea, pour améliorer le projet et enrichir son contexte.
Samson Young
Samson Young (né en 1979) est un compositeur, artiste du son et des nouveaux médias de Hong Kong avec un CV presque intimidant. Il a obtenu un baccalauréat en musique, philosophie et études de genre de l'Université de Sydney en 2002 et un doctorat en composition musicale de l'Université de Hong Kong en 2007. Il est titulaire d'un doctorat en composition musicale de l'Université de Princeton (États-Unis) et est assistant professeur d'art critique intermédia à la School of Creative Media de la City University of Hong Kong. Ses mentors incluent Chan Hing-Yan et Paul Lansky. Young a exposé et joué à l'international, notamment le Festival international de musique nouvelle de Sydney Springs (Australie 2001), le Festival international de musique de Canberra (Australie 2008), les Journées mondiales de la musique ISCM (Australie 2010), le Festival de musique et d'art MONA FOMA (2011), Microwave Festival international des arts nouveaux médias (HK 2004), entre autres. En 2007, il a été le premier artiste de Hong Kong à remporter le Bloomberg Emerging Artist Award avec son projet audiovisuel The Happiest Hour.
Malgré cet appel au succès in extremis, Young est également réfléchi et réfléchi, traits qui se retrouvent dans ses œuvres. Ses Machines pour ne rien faire (2011-2014) est une collection de petits objets électroniques qui, mis à part pour être utilisés avec, n'ont aucune fonction ni aucun sens. Leur existence prouve à quel point l'interactivité peut être séduisante, voire addictive, et l'œuvre explore les «plaisirs esthétiques de l'interaction homme-machine» à son niveau le plus élémentaire. La Sonate pour piano n ° 1 - 14 de Beethoven (Senza Misura) se compose de 47 circuits de maquette ouverts, qui fonctionnent comme des métronomes électroniques. Chacun de ces petits appareils coche et clignote marquant le tempo d'un des mouvements de la sonate.
Annie Wan
Annie Wan est une artiste des nouveaux médias de Hong Kong. Elle a obtenu un baccalauréat en médias créatifs de la City University de Hong Kong en 2002 et une maîtrise en technologie de l'information appliquée (art et technologie) de la Chalmers University of Technology, Suède, en 2005. En 2012, elle a obtenu un doctorat en arts numériques et les médias expérimentaux de l'Université de Washington, États-Unis. Elle est actuellement professeure adjointe à la School of Communication (Academy of Film) de la Hong Kong Baptist University. Wan a exposé à l'international lors de festivals, d'événements et d'expositions, dont la Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Singapour), ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, États-Unis), le Pavillon français à la 10e Biennale d'architecture de Venise. En 2009, elle a remporté le prix de finaliste aux Asia Digital Art Awards 2009, Fukuoka, Japon.
Les travaux d'Annie Wan se concentrent principalement sur les médias locatifs, l'électronique embarquée et les systèmes basés sur les réseaux. Où est le poulet? (2008-2009) est une œuvre d'art publique de robotique locative, soutenue par le Hong Kong Arts Development Council. L'œuvre fonctionne comme une performance narrative, qui est construite avec l'interaction du robot, de son emplacement culturellement spécifique et du public participant. Incarnant l'interaction publique, la narration collaborative, le système d'automates et la technologie mobile, l'œuvre est une forme de vie d'automates mécaniques qui ne simule pas simplement la réalité, mais permet au public de s'y engager et de modifier, transformer et tordre la perception d'une telle réalité. En interagissant avec l'installation, le public collabore à son développement ainsi qu'à la poursuite du récit autour de la performance. Le public aide également à la collation d'une «carte de poulet de la ville» en partageant ses expériences avec l'artiste.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (née en 1966, Taipei) est actuellement basée entre Taipei et New York. Il a exposé à l'international, comme le National Taiwan Museum of Fine Arts et le Museum of Contemporary Art de Taipei, le Chelsea Museum of Art de New York, le Hong Kong Arts Centre et le Perth Institute of Contemporary Arts en Australie, entre autres.
Shyu est connu pour créer des sculptures mécaniques et cinétiques lancées en 1997, qui utilisent la forme mécanique comme un langage abstrait qui transmet ses idées et ses sentiments à la vie, aux souvenirs et aux questions concernant l'environnement, la politique et la société. Ses œuvres mécaniquement complexes comprennent jusqu'à des milliers de composants conçus et fabriqués par l'artiste lui-même, mais conservent une apparence simple et donnent une impression de simplicité.
One Kind of Behavior est son œuvre la plus récente, une installation extérieure publique exposée au Bronx Museum of Art de New York jusqu'au 17 août 2014. L'installation comprend des dizaines de seaux en acier de la même taille, éparpillés sur le sol de la terrasse et ondulant à leur rythme individuel. L'œuvre s'inspire du mouvement quasi mécanique des crabes ermites, dont les mouvements lents contrastent fortement avec la vitesse à laquelle évolue la société contemporaine. Le crabe ermite utilise également des coquillages rejetés par d'autres espèces et Shyu y voit une métaphore de notre condition humaine. L'artiste nous demande de réfléchir sur notre environnement et les conséquences des actions humaines sur la nature.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) est un artiste taïwanais engagé dans l'art numérique et la robotique. Il est réputé pour son travail de conception pour l'industrie de la musique pop à Taiwan. Il a exposé à travers le monde, notamment à Hong Kong, en Chine, à Taiwan, à Singapour, au Japon et aux États-Unis. Lee s'engage dans un travail interdisciplinaire et a créé des robots pour un public diversifié, y compris l'image de marque commerciale, l'art visuel, les arts de la scène et l'art public.
L'une de ses œuvres les plus connues dans la sphère publique est BIGPOW, une installation robotique comprenant un groupe de trois robots, un grand et deux plus petits. Ludiques et mignons en apparence, les trois robots cachent un composant interactif derrière leurs conceptions apparemment statiques. Les robots sont des équipements hi-fi métamorphosés et le public peut leur connecter leurs appareils MP3 et partager leur musique en public.
Exprimant son amour pour la musique électronique, Lee a également créé deux robots danseurs, Ding et Lulubo. Ding est une créature semblable à une pieuvre à huit pattes et Lulubo est un robot féminin, avec une belle forme. Les deux robots ont «joué» dans des salles de danse et du théâtre, au Hip Hop et sur des rythmes électroniques, ainsi que «collaboré» avec des troupes de danse.
Par CA Xuan Mai Ardia
