Le travail de l'artiste britannique-ghanéenne Lynette Yiadom-Boakye a attiré le succès et l'attention ces dernières années des critiques et des institutions les plus influentes de l'art contemporain, mais ses peintures gardent une sorte d'incertitude qui trouble l'attention, comme le révèle Orlando Reade dans cette pièce de Contemporary And.
Lynette Yiadom Boakye, 'Rose Neither Poetry' (2012), huile sur toile, 180 cm x 160 cm. Courtoisie: Corvi-Mora, Londres et Jack Shainman Gallery, New York
Je voyage dans un bus de nuit à travers la ville universitaire dans laquelle je réside, et alors que nous traversons la brume du milieu de l'hiver qui est descendue juste après minuit, une conversation commence avec le seul autre passager.
Nous regardons quelques livres de poésie soufie que j'ai empruntés à la bibliothèque et il commence à me parler de son enfance en Iran, de son éducation islamique et de la façon dont il a perdu la foi quand il a commencé à étudier la physique théorique. Il ne se considère pas comme un musulman pratiquant, mais prie souvent encore, à un Dieu, et a commencé la méditation. Après une méditation intense, une technique indienne dont je ne saisis pas le nom, il a expérimenté ce qu'on appelle - son visage surgit, à travers l'allée des bus, près du mien, ses sourcils sont sincèrement relevés - projection astrale: son esprit s'est libéré de son corps; n'en sortait pas tout à fait, mais restait, comme un ballon frottant contre le plafond, «pas loin, mais loin». Il n'est plus certain que la physique, la science des corps, ait une réponse à tout.
Il y a une histoire d'incertitude - théorisée pour les mathématiques par Werner Heisenberg, dispersée en mots sur une page blanche par Stéphane Mallarmé et les poètes de vers libres, dessinée dans les indéterminations de l'abstraction moderniste et récupérée pour le portrait par Francis Bacon - le pouvoir et dont l'importance est nouvellement réalisée dans le travail de Lynette Yiadom-Boakye, dans les peintures de laquelle l'incertitude se manifeste comme une dialectique de la lumière et de l'obscurité. L'artiste, née de parents britanno-ghanéens en 1977, a produit une œuvre plus intéressante - du moins pour ce spectateur - que tout autre peintre de sa génération. Elle a remporté divers prix lucratifs, a des expositions de premier plan à New York, Londres et Le Cap, et ses peintures se vendent maintenant pour plusieurs milliers de livres. Ce succès est incontestable selon la logique de l'art contemporain, mais ses peintures gardent une incertitude qui trouble notre attention, interdit des conclusions faciles sur ce qu'elles signifient et peut s'avérer critique pour le pouvoir de perturbation de l'œuvre. Considérez le tableau Oyster (ci-dessous):
Lynette Yiadom Boakye, 'Oyster' (2012), huile sur toile, 180 cm x 100 cm. Courtoisie: Corvi-Mora, Londres et Jack Shainman Gallery, New York
Le sujet de cette peinture est un corps présenté au spectateur comme un arrangement de zones sombres enveloppées dans les coups de pinceau d'une robe de chambre blanchâtre. Le corps est délicatement dessiné contre les blancs cassés sales de la paroi arrière et du sol, un pastiche presque grossier des fonds lisses de Velazquez ou Manet. Le corps, perché sur le bord d'un fauteuil rouge luxuriant dans une robe de chambre et des chaussures plates élégantes, ressemble à une célébrité dans leur dressing, acceptant le portrait, une main placée patiemment sur l'autre. Le visage, cependant, a un enthousiasme qui trahit le corps. Les ombres noires épaisses que le torse du corps jette sur le mur derrière suggèrent l'effet d'un flash photographique. L'accent mis par la photographie sur les caractéristiques corporelles du sujet et le désintérêt pour le reste du monde sont cependant absents ici; le pinceau utilisé pour représenter ce corps n'offre pas les attentions narcissiques que promet la photographie. L'indétermination de ces tableaux offre un miroir satirique au racisme des caméras.
L'interaction de la lumière et de l'obscurité dans ce tableau induit chez le spectateur une incertitude qui est au cœur de la puissance de ces tableaux. Là où le spectateur d'une peinture à l'huile tout aussi grande dans une galerie d'art nationale s'attendrait à reconnaître les signifiants qui guident la recherche - les faits sociologiques du genre, de la sexualité, de la classe, du nom, de l'affect - les portraits de Yiadom-Boakye n'offrent que de l'incertitude. Qui - ou quoi - est Oyster? Un spectateur paroissial pourrait penser aux cartes Oyster du système de transport de Londres lisse et coûteux; nous pourrions entendre Zora Neale Hurston affûter son «couteau à huître»; Je ne sais pas à qui appartient cette huître. S'il s'agit d'un nom, Oyster ne confirme pas le sexe du sujet, mais ses connotations aphrodisiaques, la magie sympathique du correspondant de sa forme, signalent l'érotisme de l'incertitude. Il n'est pas clair si ce corps est masculin ou féminin. Cette indétermination est au cœur de la remise en cause radicale de l'art de la politique identitaire.
Le dernier poème du Bulaq Diwan d'Ibn al-'Arabi, `` J'ai vu des hommes en femmes '', alterne entre constructions masculines et féminines pour produire un espace où la révélation de la vérité est un nouveau genre de perplexité. Les «questions indéterminées» posées par la poésie ou la peinture offrent une résistance exemplaire aux grammaires - visuelles et linguistiques - de l'empire qui fixe les identités. Le corps représenté dans Oyster est dessiné pour le spectateur et, simultanément, le spectateur est dessiné; cette figure chiasmique est le monde de l'incertitude. Pour tourner cet objectif sur sa tête: quel monde est l'huître de ce corps? Les titres de Yiadom-Boakye ont souvent une poétique qui ne correspond pas entièrement aux données visuelles de la peinture, créant une non-rencontre des significations entre le titre et la peinture, une dissonance sémantique entre le nom et l'image qui décrit un corps dont l'identité n'est pas déterminée. Avec des échos de Gertrude Stein dans notre esprit et de l'œuvre de Yiadom Boakye Rose Neither Poetry à notre avis, l'artiste répond: une peinture est une peinture est une peinture est une peinture.
Détail de 'Songs In The Head' (2012), huile sur toile, 180 cm x 200 cm. Courtoisie: Corvi-Mora, Londres et Jack Shainman Gallery, New York
Le titre de Songs in the Head (ci-dessus), par exemple, invite et résiste à l'attribution de sens. Dans le tableau, deux hommes - l'un souriant légèrement, l'autre manifestement confiant - se font face, touchant leurs flûtes à champagne ensemble. Les costumes lourds des hommes, l'effet de cette rencontre (si l'on peut porter un jugement confiant), leur pose, suggèrent un esprit de félicitation. Dans l'optique douteuse des médias britanniques, l'image des hommes habillés engagés dans les célébrations du champagne évoque, pour ce spectateur du moins, des récits de gourmandise. Ces hommes sont-ils des politiciens corrompus qui, selon les portraits des médias, sont uniques à l'Afrique? Dans l'autobiographie de Tony Blair, cet expert manipulateur des médias de masse, il remarque la naïveté de la décision de ses collègues de se faire photographier au travail avec une bouteille de vin. Après la croisade de New Labour pour faire «tout le monde» dans la classe moyenne britannique, le vin est moins un esprit d'aspiration qu'une marchandise consommée à bon marché par ce même «tout le monde» et cette lecture vacille. Les hommes dans la peinture de Yiadom-Boakye peuvent être des frères, des amis ou des amoureux.
Est-ce la raison pour laquelle ces tableaux sont si séduisants et troublent l'incertitude cognitive qu'ils produisent? L'espace indéterminé qu'ils créent semble accueillir une gamme de lectures, naïves et cyniques, de sorte que notre réponse à eux nous expose. Les ténèbres de ces peintures, leurs noms dissonants, évoquent des commentaires sociaux cachés, mais les téléspectateurs qui ne recherchent pas ce qui se trouve au-delà de ce miroir satirique se rendront compte qu'ils sont devenus sa première victime. Lors de son exposition à la galerie Chisenhale, l'artiste a été interviewée par les élèves d'une école primaire locale; elle a donné la réponse suivante à la question: «Pourquoi ne peignez-vous que des gens?
"Je trouve les gens vraiment amusants parce que vous pouvez tout faire avec eux: les peindre dans leurs chaussettes, les faire danser ou simplement les faire se détendre au bord de la mer."
Cette réponse remet en question le désir de surdéterminer le sens de ces peintures, dont l'attention - aux effets presque insondables des corps uniques, aux relations presque illisibles entre plusieurs corps - recommande un regard qui voit dans l'art le reflet de nos besoins. Ces spéculations sont, nécessairement, aussi peu concluantes que ce qui est ressenti devant ces œuvres d'art et volé de la galerie dans le reste du monde. Si ces incertitudes sont le véritable travail de ces tableaux, notre tâche doit être d'apprendre à vivre avec eux.
Par Orlando Reade
Orlando Reade étudie actuellement pour un doctorat sur la poésie moderne précoce et le colonialisme à l'Université de Princeton.
Publié à l'origine dans Contemporary And: A Platform For International Art from African Perspectives.
