Un homme profondément philosophique qui a évité le matérialisme et a insisté sur la primauté de l'émotion brute, peut-être que nous pourrions tous faire avec un peu plus de principes de Rothko dans nos vies. Voici 10 choses que vous devez savoir sur l'artiste, y compris sa plus grande peur.
L'expérience individuelle est la clé
Rothko croyait fermement à l'importance de l'expérience personnelle des individus pour ses peintures. Dans sa vision, le spectateur serait entraîné dans une relation profonde et méditative face à la toile, un état de vulnérabilité émotionnelle et de réceptivité totale, analogue à l'état émotionnel de Rothko lorsqu'il peignait la toile dans son atelier.
Mark Rothko dans son atelier, 1964, cibachrome © Hans Namuth / Gracieuseté de la National Portrait Gallery, USA
Le maître de la couleur n'était pas «intéressé par la couleur»
Depuis sa mort prématurée, le pionnier de Rothko du mouvement Color Field a été décrit par de nombreux critiques comme incontestable et révolutionnaire. Pour le peintre lui-même, la couleur n'était qu'un véhicule vers une réaction émotionnelle évoquée chez le spectateur, dénuée de tout courant esthétique ou décoratif. Dans une déclaration célèbre qui incarne sa pratique artistique, Rothko a déclaré: "Si vous n'êtes touché que par les relations de couleur, vous manquez le point."
Rudy Burckhardt (1914–1999), Mark Rothko, New York, 1960, épreuve à la gélatine argentique Courtesy of Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (offert par Seymour H. Knox Jr.)
La seule réponse qui compte est émotionnelle
Rothko était préoccupé par la réaction humaine brute, ou ce qu'il appelait «les émotions humaines fondamentales - tragédie, extase, malheur, etc.», et a trouvé que c'était la seule «bonne» façon de réagir à ses peintures. En approchant de la toile, le spectateur doit se débarrasser du désir d'interpréter ou de comprendre la peinture dans un sens intellectuel et se laisser émouvoir par l'émotion gravée dans la composition. En fin de compte, Rothko a vu cela comme un état où le peintre et le spectateur partagent un ensemble d'émotions, presque transcendantalement, tout en faisant face à la même toile. Dans le contexte de l'art de plus en plus intellectualisé des années 50 et 60, cette approche est non seulement originale mais aussi controversée.
Mark Rothko, Untitled (Seagram Mural sketch), 1959, huile sur toile Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Abstenez-vous d'appeler ses tableaux «beaux»
Faire en sorte que ses peintures servent un but décoratif était sans doute la plus grande peur de Rothko en tant qu'artiste. Chaque fois qu'il en vendait une en privé, il étudiait d'abord la réaction de l'acheteur à la toile afin de déterminer si le nouveau propriétaire utiliserait le tableau comme accessoire ou comme pièce maîtresse. Bien qu'il y ait une beauté incontestable dans les œuvres imposantes et hypnotisantes de Rothko, sa façon prescrite de les regarder est de vider votre esprit de toute considération esthétique et de les percevoir comme émouvantes, au propre comme au figuré.
Mark Rothko, Sans titre, 1955, huile sur toile Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Les premières œuvres de Rothko sont figuratives
Ses premières œuvres sont décidément figuratives, loin des vastes œuvres abstraites pour lesquelles il est finalement devenu connu. Les scènes de métro, les interprétations du mythe antique, les études de figures semi-humaines et les paramètres pastoraux se rejoignent dans un mélange éclectique de sujets apparemment sans rapport, avant de devenir des abstractions floues à l'étape suivante du développement de Rothko. Le seul lien entre ceux-ci et ses œuvres ultérieures est le penchant visible du peintre pour les lignes verticales verticales, les corps étendus vers le haut et les colonnes omniprésentes anticipent tous les œuvres matures de Rothko.
Mark Rothko, Sans titre, 1947, huile sur toile Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Le noir n'est jamais vraiment noir
Plus précisément, le noir utilisé par Rothko est un plan multidimensionnel de teinte sombre, généralement placé au-dessus ou à côté d'un ton différent qui imprègne le reste de la peinture d'une coloration très subtile. Même dans les œuvres tardives, généralement sombres, la couche de noir est ponctuée par des éclairs de couleur semi-apparents par en dessous, luttant pour l'air au-delà de l'impression initiale.
Mark Rothko, Sans titre, 1953, techniques mixtes sur toile Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Les peintures de Rothko sont parmi les œuvres les plus chères jamais vendues
Rothko's Orange, Red, Yellow (1961) fait partie des cinq tableaux d'après-guerre les plus chers jamais vendus aux enchères. Il a rapporté 86, 9 millions de dollars lors d'une vente aux enchères Christie's à New York en 2012, battant le précédent record de l'artiste avec White Center (jaune, rose et lavande sur rose), qui avait été acheté pour 72, 8 millions de dollars chez Sotheby's en 2007. Pour mettre cela en contexte, Les Iris de Van Gogh (1889) se vendaient pour `` seulement '' 53, 9 millions de dollars en 1987.
L'argent n'a jamais été une motivation pour Rothko
Malgré les prix records atteints par ses peintures dans le monde de l'art d'aujourd'hui, la prospérité et la renommée n'ont jamais été parmi les priorités de Rothko. La soi-disant commission Seagram en est un exemple spectaculaire: en juin 1958, Rothko a accepté une commande des propriétaires du nouveau restaurant Four Seasons à New York pour produire un ensemble de peintures murales pour l'intérieur et pour compléter le casting all-star impliqué dans la conception du restaurant, avec Mies van der Rohe et Philip Johnson.
Après avoir initialement accepté ce qui aurait été sa mission la plus lucrative, Rothko a brusquement rompu le contrat, avec peu d'explications. On soupçonne qu'il pensait que le projet compromettrait son intégrité en tant qu'artiste et rendrait ses peintures purement décoratives dans un cadre de restauration de luxe.
The Seagram Murals Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Les travaux ultérieurs de Rothko gravitent vers l'obscurité
Au cours des dernières étapes de sa carrière, dans les années 1960, les peintures de Rothko ont commencé à virer vers l'obscurité, un changement complet par rapport à sa focalisation précédente sur des toiles vibrantes où la couleur était apparemment au centre de la scène. Les gris foncés et les quasi-noirs ont commencé à dominer sa palette dans ce que beaucoup considèrent maintenant comme un présage de son suicide à l'hiver 1970. Étonnamment, son travail final est une composition hurlante de rouges sang.
Mark Rothko, n ° 7, 1964, techniques mixtes sur toile avec la permission du Gemeentemuseum den Haag
