Quand avez-vous entendu pour la dernière fois un titre de film qui vous a plu par son euphonie et son lyrisme? En voici quelques-unes qui sont de la musique à nos oreilles.
Couleur d'un jour vif et bondissant (1996)
Le drame élégiaque en noir et blanc de Christopher Munch sur les derniers jours du chemin de fer de la vallée de Yosemite a été nommé pour une ligne dans un poème d'Octavio Paz. Il mettait en vedette Peter Alexander, Jeri Arredondo, Henry Gibson et Michael Stipe de REM. L'exploitation par Munch de la pièce musicale de Charles Ives «The Unanswered Question» a résonné avec le titre lilting.
Arabesques sur le thème Pirosmani (1986)
À l'instar du cinéaste grec Theo Angelopoulos (L'étape suspendue de la cigogne, le regard d'Ulysse, l'éternité et un jour), le maître soviétique Sergei Parajanov aimait les titres graves et légèrement présomptueux: Ombres des ancêtres oubliés, La couleur des grenades, La légende de Suram Forteresse. Le court métrage documentaire Arabesques est une méditation poétique sur l'œuvre du peintre primitiviste géorgien Niko Pirosmanashvili.
Thigh Line Lyre Triangular (1961)
Lorsque la femme du cinéaste expérimental Stan Brakhage, Jane, a donné naissance à leur premier enfant, Myrenna, ils ont filmé ensemble l'occasion en tant que Window Water Baby Moving (1959). L'arrivée de Neowyn, le bébé numéro trois, a été capturée dans la triangulaire Lyre Line Lyre, beaucoup plus picturale et abstraite.
My Darling Clementine (1946)
Le maréchal apprivoiseur de pierres tombales Wyatt Earp (Henry Fonda) courtise chevaleresque la gardienne de l'école Clementine Carter (Cathy Downs). Le western noir de John Ford a pris le «Oh» du titre de la ballade folk humoristique de 1884 et lui a donné une cadence mélancolique.
Elle portait un ruban jaune (1949)
Les paroles de la chanson de marche de l'armée de George A. Norton de 1917 ont été réécrites pour le film du milieu dans la trilogie de cavalerie de John Ford. Mettant en vedette aux côtés de John Wayne, Joanne Dru a joué le gal de l'Est, vêtu de "chemise bleue sale" et un foulard jaune, qui captive deux officiers subalternes.
John Agar et Joanne Dru dans «Elle portait un ruban jaune» © RKO Radio Pictures
Une couronne de fleurs d'oranger (1911)
Un à deux rouleaux moralisant DW Griffith, filmé par Billy Bitzer, sur la fille d'une couturière qui se marie avec de l'argent. Lorsque son mari perd sa fortune, elle est tentée de le quitter pour un râteau. Elle change d'avis lorsqu'elle trouve la couronne de fleurs d'oranger qu'elle portait lors de son mariage. La fleur d'oranger était un symbole de fertilité à l'époque victorienne de la jeunesse de Griffith. La dirigeante Florence Barker n'avait que 21 ans lorsqu'elle est décédée d'une pneumonie en 1913.
Lignes de blanc sur une mer maussade (1909)
Ce Griffith one-reeler raconte l'histoire tragique d'une femme (jouée par Linda Arvidson, l'épouse du réalisateur) attendant le retour du marin infidèle qui a promis de l'épouser. Il a été influencé par les peintures du littoral de Winslow Homer et magnifiquement photographié par Bitzer. Treize des 19 plans englobent le rivage et le ciel, leur répétition soulignant l'inutilité de la veillée de l'héroïne.
Quantum of Solace (2008)
Aucune franchise cinématographique n'a de meilleurs titres que la série James Bond: ils sont aussi systématiquement mondains que le thème récurrent. Quantum of Solace, extrait de la nouvelle Ian Fleming de 1980, fait référence au minimum d'humanité que les partenaires d'une relation amoureuse doivent ressentir les uns pour les autres pour qu'elle survive.Quantum était le deuxième film de 007 avec Daniel Craig.
Crépuscule des nymphes de glace (1997)
La fable de Guy Maddin sur la cruauté de l'amour est un magnifique spectacle de couleurs mêlant le gothique et le shakespearien. Ce n'est pas l'entrée la plus forte du maestro de Winnipeg, mais le titre merveilleux lui donne l'aura alpine d'un film de montagne allemand. Le deuxième meilleur titre de Maddin est The Saddest Music in the World (2003).
La rose pourpre du Caire (1986)
Pendant la Dépression, un archéologue casqué (Jeff Daniels) dans une romance de boîte de nuit RKO sort de l'écran et courtise une serveuse du New Jersey (Mia Farrow); quand l'acteur qui le joue se présente, il la trahit. Le titre exotique du film dans le film résume parfaitement l'illusionnisme hollywoodien des années 1930. C'est le meilleur titre de Woody Allen, bien que The Curse of the Jade Scorpion (2001) et Melinda et Melinda (2004) le rapprochent.
Dans un endroit solitaire (1950)
Le chef-d'œuvre noir de Nicholas Ray sur un scénariste (Humphrey Bogart) avec un tempérament incontrôlable a pris son titre existentiel couvant du roman de Dorothy B. Hughes; il a pris son humeur fataliste de Ray et du mariage effondré de sa principale dame Gloria Grahame. New Order a donné le même titre à l'une de leurs premières chansons majestueusement tristes.
Humphrey Bogart et Gloria Grahame dans «In a Lonely Place» © Columbia Pictures
Shane (1953)
«Il n'y a jamais eu d'homme comme Shane» a couru le slogan de la guerre d'époque de George Stevens avec Alan Ladd. Eh bien, il n'y a jamais eu de titre comme Shane-silex, gracieux, masculin (mais pas macho). Il évoque la lueur de la plate-forme de tir élaborée de Ladd et sa vitesse de l'éclair dans le tirage. Shane, un ange de la mort vêtu de peau de daim.
L'année dernière à Marienbad (1961)
La mémoire - fausse ou autre - est profondément ancrée dans le titre du chef-d'œuvre elliptique d'Alain Resnais, dans lequel un homme (Giorgio Albertazzi) rencontre une femme (Delphine Seyrig) dans un château et prétend l'avoir rencontrée l'année précédente à Marienbad; Sacha Pitoëff joue un deuxième homme, peut-être le mari de la femme. N'avons-nous pas tous eu des «moments de Marienbad»?
«L'année dernière à Marienbad» © Astor Pictures Corporation
La vie de rêve des anges (1998)
Le titre du drame brut d'Erick Zonca est ironiquement éthéré. Il illustre l'amitié de deux femmes de la classe ouvrière qui partagent un été un appartement emprunté près de Lille. Drifter Isa (Élodie Bouchez) est à la casse et autonome; instable, Marie (Natacha Régnier) est dangereusement dépendante de son nouveau petit ami videur. Isa sait que tu dois juste continuer à bouger
.Goltzius & the Pelican Company (2012)
Dans le masque élaboré de Peter Greenaway, le peintre-graveur hollandais de la fin du XVIe siècle Hendrick Goltzius (Ramsey Nasr) veut que le margrave d'Alsace (F. Murray Abraham) paie pour une presse à imprimer afin qu'il puisse publier des livres illustrés. Pour conclure l'affaire, Goltzius offre au Margrave une édition picturale érotique du Nouveau Testament et des dramatisations en direct des contes les plus torrides. Le titre sonne comme un satyre l'a écrit.
Soleil éternel de l'esprit impeccable (2004)
Si vous voulez être un adulte heureux, effacez simplement tous les souvenirs d'angoisse romantique! Kate Winslet et Jim Carrey sont les stars du mélodrame post-moderne scénarisé par Charlie Kaufman réalisé par Michel Gondry, mais c'est la victime de l'amour Mary (Kirsten Dunst) qui cite le titre, tiré de l'épître d'Alexander Pope en 1717, Eloisa to Abelard.
Synecdoche, New York (2008)
Ce titre de Charlie Kaufman est une pièce de théâtre sur le nom de la ville Schenectady, New York, du mot mohawk skahnéhtati, qui signifie «au-delà des pins». Une synecdoche est une figure de style dans laquelle une partie de quelque chose représente le tout («roues» pour la voiture, «main» pour le travailleur). La fiction et la réalité fusionnent dans l'histoire d'un metteur en scène en difficulté (Philip Seymour Hoffman) qui monte une pièce qui tourne hors de contrôle.
Tombe des lucioles (1988)
Réalisé par Isao Takahata pour le Studio Ghibli, ce film d'animation était basé sur les mémoires de la Seconde Guerre mondiale dans lesquels l'écrivain Akiyuki Nosaka a raconté la perte de membres de sa famille proche. La simplicité du titre doux-amer fait que To the Forest of Firefly Lights de 2011 sonne comme s'il essayait trop fort.
Mailles de l'après-midi (1943)
Le court métrage expérimental de Maya Deren et Alexander Hammid (généralement attribué à Deren) dépeint le fonctionnement de l'inconscient d'une femme en transe alors que ses impressions cauchemardesques saignent dans sa réalité. Chargée de symboles et redevable au film noir, c'est une œuvre charnière du cinéma d'avant-garde américain. Mariés à l'époque, Deren et Hammid ont joué l'homme et la femme à l'écran.
Maya Deren dans «Meshes in the Afternoon» © Mystic Fire Video
Brimstone and Treacle (1976) / Brimstone & Treacle (1982)
Dans le drame de Dennis Potter de 1976, interdit pendant 11 ans, le Diable viole une fille catatonique à la conscience, un acte potesque classique de libération de la violence. Michael Kitchen a joué dans la pièce de la BBC; Piqûre dans la version cinématographique de 1982. Potter était brillant aux titres: celui-ci a commémoré le médicament que M. Banks se souvient de sa nounou haineuse lui donnant dans le roman de PL Travers de Mary Poppins en 1934.
Sciure et clinquant (1953)
Le drame hallucinatoire amer d'Ingmar Bergman sonde le jeu du pouvoir sexuel entre un propriétaire de cirque épuisé (Åke Grönberg) et sa jeune maîtresse cruelle mais à juste titre jalouse (Harriet Andersson). "Sciure et clinquant" a une bouffée du verdict de Shakespeare sur la vie comme un conte "Raconté par un idiot, plein de son et de fureur, ne signifiant rien." Certains préféreront peut-être le titre Bergman Smiles of a Summer Night (1955).
Hasse Ekman et Harriet Andersson dans «Sawdust and Tinsel» © Times Film Corporation
Cet objet obscur du désir (1977)
L'allitération «O» renforce la force érotique dans le titre du film final de Luis Buñuel. Comme Le Diable est une femme de Josef von Sternberg (1935), il est basé sur le roman de Pierre Louÿs La femme et la marionnette. Buñuel a interprété deux actrices, Carole Bouquet et Angela Molina, comme sa femmefatale mercurielle. Sternberg avait juste besoin de Marlene Dietrich.
La dernière fois que j'ai vu Macao (2012)
C'est le rythme de ce titre et sa nostalgie du thriller humoristique de Macao de 1952 qui le rend poétique. Mi-mystère noir, mi-nocturne queer, le film obsédant de João Pedro Rodrigues est aussi un récit de voyage ruminatif empreint de mémoire et de perte.
Cindy Scrash dans «La dernière fois que j'ai vu Macao» © The Cinema Guild
Electra Glide en bleu (1973)
L'hommage du réalisateur James William Guercio aux westerns de John Ford a été partiellement abattu à Monument Valley. Presque (mais pas tout à fait) un classique culte, il met en vedette Robert Blake en tant que patrouilleur ennuyé de l'Arizona qui se bat contre l'homicide. Il chevauche un porc helluva: la Harley-Davidson FL Electra Glide de 1965, la première Harley équipée d'un moteur Panhead et d'un démarreur électrique.
L'imaginarium du docteur Parnus (2009)
Eh bien, c'était soit ce solide titre de Terry Gilliam, soit le Wonder Emporium de M. Magorium, plus sobrement baptisé (2007). L'histoire d'un vendeur ambulant (Christopher Plummer) qui vend différentes qualités de fantasmes à ses clients dans le Londres moderne, Imaginarium a marqué la dernière représentation d'écran de Heath Ledger,
L'oiseau au plumage de cristal (1970)
Dario Argento a fait ses débuts avec un giallo sanglant sur un écrivain américain bloqué qui espionne un homme mystérieux attaquant une femme dans une galerie d'art. Il s'avère que l'assaillant possède un oiseau sibérien rare qui fait un bruit de cricket révélateur. Une relation avec le faucon maltais?
Corde rose et cire à cacheter (1945)
À Brighton, à la fin du XIXe siècle, la perlière adultère (splendide Googie Withers) prévient un jeune homme frappé (Gordon Jackson) de lui apporter de la strychnine de son père chimiste (Mervyn Johns) afin qu'elle puisse se débarrasser de son mari publicain abusif. Le titre est venu de la pièce de Roland Pertwee, mais il pourrait provenir du livre intérieur victorien sur Inquire Within Upon Everything.
«Corde rose et cire à cacheter» © Eagle-Lion Distrib. Ltd.
Le parfum de la papaye verte (1994)
Tran Nu Yên-Khê a joué l'humble servante vietnamienne, Mùi, qui va travailler pour une famille de marchands riche mais troublée dans le drame très apprécié de son mari Tran Anh Hung. Sa sérénité et son appréciation silencieuse de l'environnement naturel - une grenouille, une ligne de fourmis, le parfum de papaye - mettent en relief le manque spirituel de la famille.
Là où les fourmis vertes rêvent (1984)
Le premier film en anglais de Werner Herzog était un docudrame sur un différend foncier entre les aborigènes et une société d'extraction d'uranium dans le désert australien. Craignant pour la sécurité des fourmis vertes rêveuses de la région, dont le cycle de vie est la source de l'existence humaine, les aborigènes bloquent les bulldozers de l'entreprise. Le militant des droits fonciers Wandjuk Marika a joué le rôle du chef des anciens protestataires.
«Là où les fourmis vertes rêvent» © Orion Classics
Pandaemonium (2000)
Le biopic banal de Julien Temple sur les poètes romantiques Coleridge et Wordsworth a été nommé pour la capitale de l'enfer dans "Paradise Lost" de Milton. C'est aussi le titre d'une peinture apocalyptique de 1841 de John Martin.
Pandora et le Hollandais volant (1951)
James Mason et Ava Gardner ont joué dans ce mythe des mash-up modernes, qui s'inspire de l'opéra de Wagner et de la vision de l'écrivain Heinrich Heine de la femme fatale. Il a été réalisé par Albert Lewin, qui a embauché Jack Cardiff pour le tourner en Technicolor lumineux et Man Ray pour apporter des touches surréalistes, y compris des photographies publicitaires de Gardner à son plus séduisant.
L'Anglais qui monta une colline mais descendit une montagne (1995)
En 1917, deux cartographes anglais (Hugh Grant, Ian McNeice) mesurent une montagne galloise et prétendent qu'elle est mille pieds trop courte, alors il faut désigner une colline. Les habitants furieux se sont mis à leur prouver le contraire. La montagne Garth de Taff's Wells, à six miles au nord de Cardiff, était la source de l'histoire racontée au scénariste-réalisateur Christopher Monger par son grand-père.
Gallivant (1996)
«Gallivant» signifie la même chose que «galavant», pour errer sans plan. Le réalisateur Andrew Kötting a filmé sa randonnée poétique autour du littoral britannique avec sa grand-mère de 85 ans, Gladys, et sa fille de 7 ans, Eden, qui souffre du syndrome de Joubert. C'était un film psychogéographique historique et extrêmement émouvant.
Eden Kötting et son arrière-grand-mère Gladys Morris dans "Gallivant" © BFI / ED Distribution
Khrustalyov, ma voiture! (1998)
Le titre de la satire fulminante d'Aleksei German du «complot antisémite des médecins» de Staline est la première phrase prononcée en Union soviétique pendant l'ère post-stalinienne, à savoir le commandement triomphant de Lavreniy Beria à son chauffeur après la mort du chef en mars 5, 1953. (Beria a été exécutée le 23 décembre.) Lovely? Disons «inspiré».
La romance d'Astrea et de Celadon (2007)
Situé dans une Gaule druidique du Ve siècle, le dernier film d'Éric Rohmer était une adaptation du roman L'Astrée d'Honoré d'Urfé (1607–27). Le berger Céladon (Andy Gillet) aime la bergère Astrée (Stéphanie Crayencour), mais, hélas, elle s'enfuit après l'avoir vu flirter avec quelqu'un d'autre. Après que les nymphes aient sauvé le swain découragé d'un suicide aquatique, il s'habille naturellement en femme pour reconquérir Astrée. Le film n'avait pas la complexité philosophique des méditations modernes de Rohmer sur l'amour, mais son titre nous laisse sur un sommet pastoral.
