Au cas où vous ne l'auriez pas remarqué, Los Angeles regorge d'espaces d'exposition. Le LACMA abrite 100 000 œuvres d'art, ce qui en fait le plus grand musée de l'ouest des États-Unis. Le musée a ouvert ses portes en 1965 et se concentre sur l'étendue de l'histoire de l'art et du monde. Où commencer? Nous présentons dix œuvres à voir absolument au LACMA.
Femme pleurant avec mouchoir (1937) de Pablo Picasso
Picasso a peint cela en 1937 en Espagne après avoir terminé son célèbre travail Guernica, qui protestait contre la guerre civile espagnole. Après cela, Picasso a changé son style de peinture au surréalisme mais a continué à peindre fréquemment la femme qui pleurait. La femme capturée ne représente pas seulement sa tourmente personnelle, beaucoup pensent que c'est un portrait de son amant et maîtresse Dora Maar, mais représente également une victime de la guerre - une épouse et une mère laissées dans l'agonie par la destruction. La peinture est incroyablement puissante et suscite la réflexion. Le musée présente une grande variété d'œuvres de Picasso sur plusieurs périodes différentes, vous pouvez donc explorer la collection de ce grand artiste.
Photo de Daren DeFrank
Shiva en tant que Seigneur de la danse (c. 950–1000) par Tamil Nadu
Shiva le destructeur et restaurateur est l'un des trois dieux hindous. Les autres incluent Brahma le Créateur et Vishnu le Conservateur. Shiva est largement populaire et adorée dans le sud de l'Inde. Shiva est également connu comme le dieu patron du yoga et de la danse cosmique qui a créé l'univers en cycles rythmiques continus. Dans cette représentation, Shiva danse autour d'une flamme s'élevant d'un piédestal de lotus considéré par beaucoup comme un symbole de la création. La sculpture est devenue symbolique de la civilisation indienne. L'œuvre capture la grâce et l'unité divine de Shiva. La sculpture se trouve au quatrième étage du bâtiment Ahmanson, et en la regardant de près, il est facile de voir la puissante signification que cette sculpture a eu sur la culture indienne, ainsi que la raison pour laquelle la pièce est célébrée dans le monde entier.
Photo de Daren DeFrank
Lutteurs (1899) de Thomas Eakins
Ce tableau est facile à trouver dans la galerie car il requiert tout simplement votre attention. Soudain, vous êtes tellement captivé par l'image austère qu'il est difficile de détourner le regard. Eakins est considéré comme l'un des grands peintres américains réalistes du XIXe siècle, et il est facile de comprendre pourquoi. La peinture semble avoir lieu devant vous avec deux lutteurs entrelacés au milieu d'un match. Le but de nombre de ses œuvres était de capturer «l'héroïsme de la vie moderne» et il passait souvent des heures à créer ces moments. Il demandait souvent à deux athlètes de lutter pour lui, puis de déterminer la position qu'il trouvait la plus intéressante sur le plan stylistique. Ce tableau est également son dernier achevé sur le thème de la forme humaine et a été achevé vers la fin de sa carrière. On pense qu'il est représentatif de ses propres frustrations face à la vie. La peinture est certainement impressionnante. Qui savait que lutter avec ses démons pouvait être si beau?
Photo de Daren DeFrank
Three Quintains (1964) de Alexander Calder
Cette sculpture est unique non seulement pour les éléments de conception de l'œuvre des Trois Quintains d'Alexander Calder, mais aussi parce que la pièce a été créée pour le musée. Avant l'ouverture du musée, un comité a été formé pour acquérir une sculpture-fontaine pour l'emplacement. Le musée a offert la commande à Calder, qui a accepté en juin 1964. Laurelle Burton, qui était à l'époque présidente du Art Museum Council, a déclaré: «Pour qu'un homme de la renommée d'Alexander Calder soit le premier à concevoir une sculpture spécifiquement car le nouveau musée établirait les normes des efforts futurs de la part des artistes et des donateurs. La fontaine est composée de formes géométriques simples, caractéristiques du style de Calder, flottant dans l'air et propulsées par des jets d'eau. La pièce est l'une des rares sculptures de fontaine que Calder ait jamais créées. L'œuvre est exposée en permanence dans le jardin de la table ronde du directeur.
Jour des fleurs (Dĩa de Flores) (1925) de Diego Rivera
Diego Rivera n'a certainement pas besoin d'être présenté. Ses peintures, dans une variété de médiums, y compris l'aquarelle et l'huile, sont de renommée mondiale. Cette peinture est un travail à voir absolument! Le point focal de la peinture est le vendeur de lis calla. Les fleurs sont vues de dessus, ce qui est une perspective unique. La composition de la pièce est également intéressante car les figures sont de style bloc, une technique que Rivera a perfectionnée de sa peinture cubiste plus tôt dans sa carrière. Après avoir remporté la première place à la première exposition panaméricaine de peintures à l'huile en 1925, elle a été obtenue par l'institution mère de LACMA, le Los Angeles Museum of History, Science, and Art.
Journée des fleurs de Diego Rivera © Joaquin Martinez / Flickr
Carrelage avec arabesque florale défilante (c. 15e siècle), Grand Iran
Faisant partie de l'exposition de LACMA, Islamic Art Now - Part 2, cette pièce en céramique remonte au XVe siècle. L'exposition dans son ensemble se concentre sur le mélange entre l'art passé et présent dans une variété de médiums et de thèmes. Cette tuile appartient à la règle timuride en Iran et en Asie centrale. Les Timurides ont parrainé des bâtiments souvent ornés de tuiles décoratives comme celle-ci. Des morceaux de carreaux ont été coupés à partir de différents ensembles de carreaux, avec un éventail de couleurs différentes, pour créer une mosaïque qui se joindrait à d'autres pour créer un design complexe à l'extérieur des structures. Ce qui frappe le plus dans cette pièce, c'est que malgré l'âge et l'usure de la tuile, les couleurs de l'époque restent toujours vives.
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- Tuile © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) de René Magritte
Non seulement ce tableau est considéré comme l'un des chefs-d'œuvre surréalistes de René Magritte, mais il est également hautement reconnu comme une icône de l'art moderne. Le surréalisme était un style d'art qui tirait fortement ses influences de la psychologie freudienne. Il symbolisait une réaction contre le `` rationalisme '', dont beaucoup pensaient avoir contribué à la Première Guerre mondiale. Ses peintures d'images de mots sont ses exemples de l'impossibilité de combiner des mots avec des images et des objets. Magritte avait travaillé dans la publicité, en plus d'être artiste, et la peinture semble d'abord simpliste - vendant presque la pipe représentée dans la pièce. Cependant, sous les mots lus «ce n'est pas une pipe», ce qui est d'abord déroutant. L'élément complexe est qu'une peinture d'un tuyau n'est pas en fait un tuyau lui-même, mais simplement une représentation d'un tuyau. Son utilisation du texte dans ses peintures allait continuer d'influencer une génération d'artistes axés sur le concept, notamment: Jasper Johns, Roy Lichtenstein et Andy Warhol.
Photo de Daren DeFrank
Nature morte aux cerises et aux pêches (1885-1887) de Paul Cézanne
Paul Cézanne est connu comme l'un des peintres postimpressionnistes légendaires du XIXe siècle. Ses peintures incluent une variété de sujets allant des paysages aux portraits et aux natures mortes. Ses peintures emblématiques de différents paramètres de table sont immédiatement reconnaissables dans et hors du monde de l'art. Cézanne a utilisé des couleurs vives et des coups de pinceau pour capturer l'intensité des images, ce qui est illustré dans ce tableau. Les points de vue dans le tableau sont variés. Les cerises sont vues d'un point focal au-dessus, tandis que les pêches, en dépit de leur proximité, semblent être vues davantage vers un angle latéral. Le verre et la feuille accompagnent la table et sont à la fois réalistes et plus abstraits, ce qui est typique du post-impressionnisme. Cette pièce est un exemple classique du style captivant de Cézanne et une peinture incontournable à part entière.
Photo de Daren DeFrank
Épaule froide (1963) de Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein fait partie d'un groupe d'artistes qui ont utilisé l'imagerie commerciale dans leur travail et l'ont transformée. Ces styles sont devenus connus sous le nom de Pop Art et sont entrés en vogue dans les années 1960. L'utilisation de couleurs et de lignes audacieuses crée des images de type bande dessinée. Le dessin précis repose également à plat sur la toile, manquant délibérément de dimension. De plus, la juxtaposition du texte dans la pièce disant «Bonjour» avec la femme tournée vers l'arrière crée une dynamique intéressante. En utilisant le style connu sous le nom de points Ben-Day (imprimante), qui est un processus mécanisé utilisé dans la production de bandes dessinées, Lichtenstein crée la peau de la femme avec une interprétation artisanale de la technique.
