Le sous-continent indien a produit de nombreux artistes de renommée internationale, dont beaucoup sont vendus aux enchères dans le monde entier. Certains des artistes indiens les plus prospères et les plus innovants sont des femmes, et leurs pratiques variées explorent un large éventail de thèmes, de l'identité et de la mémoire à la politique, l'histoire et la culture contemporaine. Nous vous proposons dix des artistes indiennes contemporaines les plus célèbres.
Shilpa Gupta
En examinant une gamme de thèmes allant de la culture de consommation au désir, à la sécurité, à la religion, au nationalisme et aux droits de l'homme, les pratiques interdisciplinaires de Shilpa Gupta utilisent la vidéo interactive, la photographie, l'installation et l'art de la performance, en s'appuyant souvent sur la participation du public. Fonctionnant comme un jeu vidéo interactif, sa série de projections vidéo intitulée Shadow (1, 2 et 3) incorpore les ombres simulées des téléspectateurs, capturées par une caméra en direct. Les ombres sont projetées sur l'écran blanc et interagissent avec d'autres ombres créées par des objets, des poupées, des maisons, des oiseaux et d'autres personnages qui dansent, sautent et marchent. Gupta fait partie d'une jeune génération d'artistes indiens dont le travail répond aux clivages sociétaux postcoloniaux du pays. Elle brouille, redessine et efface souvent les frontières géopolitiques, comme dans 100 cartes dessinées à la main de l'Inde (2007-2008), comprenant des cartes dessinées à la main par les téléspectateurs de mémoire, ou son travail sans titre représentant une police jaune indicateur de bande indiquant: "Il n'y a pas de frontière ici."
Bharti Kher
Le bindi collé prêt à l'emploi - une décoration de front indienne traditionnelle - est au cœur de la pratique de Bharti Kher, et invite à des significations ambivalentes, oscillant entre tradition et modernité. Kher prospère en créant de l'art dépeignant une mauvaise interprétation, des idées fausses, des conflits, de la multiplicité et des contradictions, en explorant le drame humain et la vie contemporaine. Le bindi apparaît dans ses peintures ainsi que dans ses installations sculpturales, remettant en cause le rôle des femmes dans un pays traditionnel et faisant référence à sa signification spirituelle traditionnelle du «troisième œil». Son record, The Skin Speaks a Language Not Its Own (2006), dépeint un éléphant mort ou mourant en fibre de verre recouvert de bindis brillants. Son travail aborde en outre des contes allégoriques, des créatures fantastiques, des bêtes magiques et des monstres mystiques, comme on le voit dans d'autres pièces animales telles que les délits. An Absence of Assignable Cause (2007) est une réplique grandeur nature du cœur d'une baleine bleue, basée sur l'imagination de l'artiste, souligne l'idée romantique d'un `` grand cœur '' et les mystères qui lient le cœur aux concepts de l'amour, vie et mort.
Bharti Kher - Une absence de cause attribuable © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Avec le papier comme principal moyen et un vocabulaire minimal riche en associations, Zarina Hashmi crée des œuvres abstraites qui résonnent avec ses expériences de vie d'exil et de dépossession et le concept de maison - que ce soit personnel, géographique, national, spirituel ou familial. Son œuvre contemplative et poétique comprend des gravures sur bois, des gravures, des dessins et des moulages fabriqués à partir de pâte à papier. Ses lignes artisanales et calligraphiques constituent un élément unificateur de ses compositions. Le langage est essentiel pour l'artiste. Letters from Home (2004) présente une série de gravures basées sur des lettres de sa sœur Rani, qui vit au Pakistan. Dans une interview vidéo avec la Tate, Zarina raconte comment la réception de ces lettres l'a aidée à conserver un sentiment d'identité. L'ourdou manuscrit est recouvert de cartes et de plans de maisons et de lieux éloignés, portant l'ombre de moments significatifs et d'impressions de lieux pertinents pour la vie de sa famille.
Nalini Malani
Le concept de la frontière transcendée est au cœur de la pratique de Nalini Malani, qui s'inspire de la littérature, de la mythologie, de l'histoire et de la vie personnelle pour créer un art pertinent à travers les cultures. Des dessins aux peintures, en passant par l'animation projetée, le jeu d'ombres, la vidéo et le film, l'artiste juxtapose la tradition avec des éléments modernistes pour répondre aux problèmes urgents de la société contemporaine. Sa famille a été affectée par la partition de 1947 - un thème cher à Malani, comme on le voit dans Remembering Toba Tek Singh (1998), une vidéo inspirée de la nouvelle de Sadat Hasan Manto du même titre. Malani utilise le symbolisme de la mort de Bishen Singh - un patient mental qui, refusant de déménager en Inde pendant la partition, décède dans un no man's land entre les deux frontières. Malani explore alors les effets de la partition sur la vie des gens et elle étend cette exploration à l'effet des essais nucléaires à Pokhran, Rajasthan. L'intérêt de Malani pour Cassandra réside dans sa conviction que chacun de nous a des idées et des instincts. Son exposition de 2014 intitulée Le cadeau de Cassandra à la galerie d'art Vadehra s'est concentrée sur la possibilité que l'humanité anticipe les événements du futur et `` écoute '' vraiment ce qui se passe autour d'eux.
Rina Banerjee
Un amour de la substance, du tissu et de la texture, associé à une expérience de vie dans des communautés de lieux culturels / raciaux mixtes, constituent la base des œuvres multimédias poétiques de Rina Banerjee. Elle définit son œuvre comme une exploration de `` moments coloniaux spécifiques qui réinventent le lieu et l'identité comme des expériences diasporiques complexes entrelacées et parfois surréalistes ''. Banerjee crée des assemblages colorés de textiles, d'articles de mode, d'objets coloniaux, de meubles, de taxidermie et de matières organiques, provenant de brocantes new-yorkaises et reconfigurés en objets imprégnés d'un nouveau sens. Les matériaux inhabituels comprennent des alligators taxidermied, des lits en bois, des arêtes de poisson, des œufs d'autruche, des plumes et des meubles anciens. Alors que l'hybridité de ses œuvres reflète son passé cosmopolite, le langage visuel qu'elle crée est enraciné dans la mythologie et les contes de fées. Prends-moi, prends-moi… to the Palace of Love (2003) est une installation présentée au Musée Guimet à Paris en 2011. Articulant un discours sur ses origines et la vision occidental-orientaliste de l'Orient, elle comprenait un pavillon en plastique rose réalisé en forme de le Taj Mahal pour évoquer une vue de l'Inde à travers des verres teintés de rose, caractéristique de la présence coloniale britannique en Inde - avec un assemblage central de matériaux «exotiques».
Dayanita Singh
Créant de curieux récits de la vie quotidienne à travers le médium photographique, Dayanita Singh donne une expression visuelle à un paysage qui juxtapose l'imagination de l'artiste avec le monde réel. Ses photographies en noir et blanc sont présentées dans une installation intitulée Museum, ainsi que dans son médium préféré: le livre. Le papier revêt une importance particulière pour Singh. L'artiste dépeint tout le monde, de la classe supérieure aux marges de la société, offrant une vision grand angle de l'Inde contemporaine. Mona Ahmed est une figure récurrente dans son travail; depuis leur première rencontre en 1989 sur une commande du London Times - un eunuque vivant dans un cimetière à Old Delhi, un paria rejeté par sa famille et par la communauté eunuque. La représentation de Mona par Singh est une exploration de ceux qui ont des identités fragmentées et un manque de sentiment d'appartenance, qui est le sujet du livre Myself Mona Ahmed. La Maison d'Amour de Singh brouille la frontière entre le livre de photographie et la fiction littéraire, avec des images accompagnées de poésie et de prose qui racontent neuf nouvelles. Les `` musées '' portables, comme le File Museum (2013) ou le Museum of Chance (2014), sont de grandes structures en bois qui peuvent être disposées dans différentes configurations, contenant entre 70 et 140 photographies. Cette «photo-architecture», comme l'appelle Singh, lui permet d'afficher, de modifier et d'archiver des images à l'infini.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat incorpore souvent plus d'un médium dans une même œuvre d'art. L'œuvre de Kallat s'engage avec les cycles sans fin de la nature et la fragilité de la condition humaine, reflétant les changements constants entre la naissance, la mort et la renaissance; construction et effondrement, défaite et résurgence. Elle travaille fréquemment avec des noms officiellement enregistrés ou enregistrés - de personnes, d'objets ou de monuments qui ont été perdus ou ont disparu sans laisser de trace. Un motif récurrent dans sa pratique est le timbre en caoutchouc, symbole de contrôle et de l'appareil bureaucratique - un «État sans visage» qui obscurcit et confirme les identités. Kallat utilise des tampons en caoutchouc depuis 2003, investissant ses œuvres avec ironie. Dans Falling Fables, elle a utilisé des timbres avec les adresses des monuments manquants protégés par l'Archeological Survey of India, créant des formes de ruines architecturales, attirant l'attention sur l'état d'effondrement et de fracture de la mémoire collective qui se produit aujourd'hui en Inde et dans le monde entier. En 2013, elle a créé Untitled (Cobweb / Crossings), une toile d'araignée sur la façade du musée Bhau Daji Lad à Mumbai. Sa création comprenait une tonne de tampons en caoutchouc portant les anciens noms des rues entourant le musée et mettant en évidence les histoires perdues. Kallat a déjà utilisé le motif du Web pour aborder les problèmes de migration et ceux qui le contrôlent. Dans 'Untitled (Map / Drawing)', une carte complexe du monde faite avec des fils électriques et des accessoires trace les chemins migratoires souvent cachés des travailleurs.
[K] Reena Saini Kallat - Sans titre (2008) - Détail © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
À travers la photographie et l'installation sculpturale, Hema Upadhyay aborde les notions d'identité personnelle, d'appartenance, de dislocation, de nostalgie et de genre, réfléchissant à l'état contemporain de Mumbai - une métropole avec son multiculturalisme résultant des mouvements migratoires. Un travail récurrent autobiographique comprend des photos d'elle-même, comme si elle cherchait sa propre place dans la ville, où elle a été contrainte de migrer avec sa famille pendant la partition. Dans sa première exposition personnelle, Sweet Sweat Memories (2001), elle a présenté des œuvres qui parlaient de sentiments d'aliénation et de perte. La série comprenait des photographies miniatures d'elle-même collées sur des peintures qui représentaient des perspectives aériennes et subalternes de Mumbai en tant que nouvelle ville écrasante.
Sheela Gowda
Incorporant la sculpture, l'art d'installation et la photographie mettant en valeur l'Inde urbaine et rurale, Sheela Gowda crée des œuvres utilisant des matériaux de tous les jours, y compris des objets trouvés et recyclés et des matériaux comme la bouse de vache, le kumkum rouge (curcuma), l'encens, les cheveux humains, la feuille d'or, les colorants cérémoniels et des matériaux domestiques tels que les fibres de coco, les aiguilles, les fils et le cordon. La pratique de Gowda s'appuie fortement sur son processus, qui brouille les frontières entre l'art et l'artisanat, et remet en question le rôle de la subjectivité féminine dans le contexte de la religion, du nationalisme et de la violence qui constitue l'Inde contemporaine. Et Tell Him of My Pain (2001) a employé plus de 100 mètres de fil enroulé teint avec du kumkum rouge, suspendu et drapé à travers l'espace pour former un dessin en trois dimensions. Les travaux ont fait référence à la culture des épices de l'Inde et à l'industrie textile - qui font traditionnellement partie de l'expérience vécue par une femme - pour souligner la douleur de la vie domestique féminine dans une société patriarcale.
