La scène artistique du Moyen-Orient, historiquement de nature patriarcale, abrite certaines des artistes féminines les plus influentes reconnues sur la scène mondiale. Contribuant à l'évolution du paysage culturel de la région, ces artistes travaillent dans un large éventail de médias et abordent des questions personnelles, ainsi que locales et universelles. Voici dix des meilleures artistes féminines du Moyen-Orient.
Mona Hatoum, Web, 2006, boules de cristal et fil métallique,
515 x 2100 x 1325 cm Avec l'aimable autorisation du photographe Ela Bialkowska et de la Galleria Continua San Gimignano / Pékin / Les Moulins
Mona Hatoum | Liban / Palestine
D'origine palestinienne, Mona Hatoum est née au Liban et est basée au Royaume-Uni depuis 1975. Hatoum a trouvé l'inspiration dans son expérience de déplacement par conflit. Le mouvement, les voyages, la découverte de nouvelles cultures, de personnes et de terres sont au cœur de sa pratique, qui aborde le «déracinement» d'une vie nomade. Dans les années 1980, ses premières œuvres-vidéos et performances se sont concentrées sur son propre corps comme moyen de faire des déclarations politiques sur la dislocation et la migration, comme dans Mesures de la distance. Dans les années 1990, elle s'oriente vers la création d'installations et d'objets spécifiques au site à grande échelle. L'œuvre de Hatoum intègre une variété de médias, du métal, de la lumière et du verre aux matériaux corporels tels que les cheveux et les objets du quotidien. S'engageant sur des questions diverses, allant de la politique et du genre à la domesticité et à notre relation à l'espace, ses œuvres suscitent de multiples interprétations et émotions, en fonction de l'interaction physique et mentale du spectateur avec l'œuvre d'art. Ses sculptures et installations imposantes déstabilisent la perception de la réalité et mettent en évidence les relations conflictuelles entre le désir et la répulsion, la peur et la fascination, comme Slicer (1999), Paravent (2008) et Daybed (2008) - ustensiles et meubles du quotidien explosés proportion, devenant inquiétant et menaçant. D'autres travaux - comme The Light at the End (1989), Current Disturbance (1996), Cage-à-deux (2002) et Impenetrable (2009) - étendent l'exploration d'une telle anxiété en posant des questions sur la nature du partage et l'espace social, et en étudiant les notions de liberté et de captivité.
Shirin Neshat, Roja (Masses), de la série The Book of Kings, 2012, encre sur épreuve à la gélatine argentique LE, 101, 6 x 76, 2 cm Courtesy of Gladstone Gallery, New York and Brussels
Shirin Neshat | L'Iran
À travers le cinéma, la vidéo et la photographie, Shirin Neshat explore les notions de féminité et de politique de genre en Iran, ainsi que la mémoire, la religion et la violence. Ses images poétiques et ses récits s'accompagnent d'un contraste visuel saisissant entre les contraires - masculin et féminin, noir et blanc, clair et sombre. Née et élevée en Iran, Neshat s'est rendue aux États-Unis pour poursuivre des études supérieures en 1974 et, en raison de la révolution islamique, elle n'a pu retourner en Iran qu'au début des années 1990, où elle a commencé à produire ses premières œuvres d'art. Ce sont des photographies dans lesquelles elle a abordé les notions de féminité en relation avec le fondamentalisme islamique et le militantisme en Iran, comme The Unveiling (1993) et The Women of Allah series (1993-1997). Ce dernier consistait en portraits de femmes recouverts de calligraphie persane manuscrite. Partant d'un contenu ou d'une critique politique manifeste, ses premières installations vidéo - la trilogie comprenant Turbulent (1998), Rapture (1999) et Fervor (2000) - ont utilisé deux écrans pour représenter des oppositions abstraites de genre et de statut social, individuel et collectif. Bien que les vidéos aient fait allusion aux restrictions de la loi islamique contre les femmes, elles se sont également ouvertes à plusieurs lectures, mettant en évidence les conditions universelles. Elle continue à présent de s'intéresser aux thèmes centraux de la religion, de la violence, de la folie et du genre dans une variété de travaux, y compris le long métrage Women Without Men (2009, Silver Lion au 66e Festival du Film de Venise) à sa série photographique Zarin (2005) et le film Faezeh (2008). Dans sa série plus récente, The Book of Kings (2012) et Our House is on Fire (2013), Neshat répond aux événements politiques à travers le monde arabe, capturant les émotions des personnes qu'elle a rencontrées après le printemps arabe.
Lamia Joreige, vues de Museum Square 1, 2013 Gracieuseté de Taymour Grahne Gallery, New York
Lamia Joreige | Liban
L'artiste et réalisatrice Lamia Joreige utilise des documents d'archives et des éléments de fiction pour réfléchir sur l'histoire et les possibilités de sa narration, et considère la relation entre les histoires individuelles et la mémoire collective. Joreige se livre à l'histoire libanaise et explore les façons dont la guerre du Liban et ses conséquences sont représentées et racontées, en particulier à Beyrouth - le centre de sa pratique. Son film Here and Maybe Elsewhere (2003) représente la carte personnelle de Joreige de Beyrouth alors qu'elle rencontre différentes personnes au cours de son voyage le long de la Ligne verte invisible - le site de postes de contrôle militaires et la scène de nombreux enlèvements qui ont divisé Beyrouth entre l'Est et l'Ouest. Dans sa vidéo à canal unique Objects of War No.3 (2006), elle examine comment la guerre et les traumatismes se concrétisent dans les objets matériels, tandis que dans sa série photographique Night and Days (2007), elle enregistre le passage du temps et les transformations induites par la guerre, à travers des enregistrements et des notes qu'elle a prises pendant la guerre à l'été 2006. Essentiellement, l'œuvre de Joreige est centrée sur l'enregistrement du temps, ses traces, ses effets sur nous, le processus de mémoire et l'impossibilité d'accéder à un récit complet de le passé. Dans son dernier projet en cours, Underwriting Beirut, Joreige examine des sites historiques et personnellement importants de la ville. Comme un palimpseste, l'œuvre intègre de multiples couches de temps et d'existence, reliant les traces qui enregistrent l'histoire des lieux et la fiction qui les réinvente.
Emily Jacir, Matériel pour un film (2005-), Biennale de Venise 2007 © blunted / flickr
Emily Jacir | Palestine
Travaillant dans une variété de médias, y compris le cinéma, la photographie, l'installation, la performance, la vidéo, l'écriture et le son, Emily Jacir combine les rôles d'artiste, d'activiste et de poète pour créer des œuvres d'art poignantes à la fois personnelles et profondément politiques. Jacir est une défenseure des droits des Palestiniens et son dévouement au sort de son propre peuple est au centre de sa pratique. Mémorial de 418 villages palestiniens détruits, dépeuplés et occupés par Israël en 1948 (2001), le résultat d'un projet communautaire de trois mois dans son studio, est une tente de réfugiés sur laquelle 140 personnes de tous les horizons et de tous les lieux - Palestiniens, Israéliens et autres - ont cousu les noms des villages détruits. Dans la pièce de guérilla Sexy Semite (2000-2002), Jacir a invité 60 Palestiniens à contribuer à la section The Voice Village Personals à la recherche de liaisons romantiques avec des lecteurs juifs, proposant ainsi de se marier afin de pouvoir retourner en Palestine en utilisant la loi israélienne de Revenir. Son installation multimédia primée Material for a film (2005) - qui a remporté le Lion d'or à la Biennale de Venise en 2007 - examine l'assassinat en 1972 de l'écrivain palestinien Wael Zuaiter, tué près de son domicile à Rome par des agents du Mossad israélien. Dans ex libris (2010-2012), Jacir documente les 30 000 livres pillés dans les maisons, bibliothèques et institutions palestiniennes par les autorités israéliennes, lors du déplacement massif de Palestiniens pour la création de l'État d'Israël en 1948. Jacir a photographié les livres avec son téléphone portable pendant plus de deux ans de visites à la Bibliothèque nationale et universitaire juive de Jérusalem, où les livres sont conservés et catalogués comme AP - Bien abandonné.
Shadia et Raja Alem, The Black Arch, 2011, vue de l'installation à la Biennale de Venise 2011. Collection de Basma Al-Souliman Courtesy of Shadia and Raja Alem
Shadia et Raja Alem | Arabie Saoudite
Le duo de soeurs collaboratif de Shadia et Raja Alem basent leur travail sur leur lien spirituel pour se concentrer sur «la traduction et l'interprétation entre différents genres et notions de culture à l'ère de la mondialisation». Shadia, l'artiste visuel, crée des œuvres individuelles en peinture et en photographie, comme Kabat Allah Al-ulya '(Ka'ba suprême de Dieu) (2012), ainsi que des installations collaboratives avec Raja, l'écrivain primé. Dans Negative No More (2004), les images enveloppées des artistes sont projetées sur un rideau d'or, faites de négatifs tissés ensemble à partir de photographies de famille prises tout au long de leur vie. Profondément autobiographique, l'installation se veut une description d'une femme et d'une artiste dans la société arabe, rejetant les hypothèses et les projections négatives. En 2011, ils ont représenté l'Arabie saoudite dans son premier pavillon officiel à la Biennale de Venise, avec The Black Arch - une exploration de la présence et de la signification physique et psychologique du `` noir '', un aspect essentiel de la vie des artistes. Des silhouettes noires des femmes saoudiennes, du revêtement noir de la Ka'aba et de la pierre noire - une caractéristique clé de l'installation qui aurait amélioré les connaissances - le noir est partout à La Mecque. L'installation plonge dans l'illumination et l'ignorance évoquées par la couleur noire, et parle d'un voyage, d'une transition et de la connexion entre La Mecque et Venise, et des similitudes et des pouvoirs inspirants des deux villes. Le dialogue entre l'Est et l'Ouest se reflète également dans la projection d'images sur le sol et le mélange de sons, y compris les pigeons, les mouettes et les voix des pèlerins et des gondolieri.
Manal Al Dowayan, Esmi (Mon nom) 2, 2012, vue d'installation Gracieuseté de Manal Al Dowayan
Manal Al Dowayan | Arabie Saoudite
Photographe et artiste d'installation, Manal Al Dowayan crée des œuvres d'art qui reflètent directement sa vie et les hauts et les bas qui existent. Son objectif principal est l'expérience des femmes saoudiennes, mais elle aborde également des thèmes plus personnels, comme dans Landscapes of the Mind et And We Had No Shared Dreams. À partir de la photographie en noir et blanc, elle superpose une variété de supports, notamment des sérigraphies, des collages, de la peinture en aérosol et des néons et des lumières LED. Le célèbre discours du roi Abdulla Al Saud - appelant tous les Saoudiens à se rassembler pour construire le pays et soulignant l'importance de la participation des femmes - a inspiré sa série photographique I AM (2007), dépeignant des femmes professionnelles charismatiques et affirmées en costume traditionnel et bijoux porter des éléments, tels que des casques de sécurité et un stéthoscope, qui faisaient allusion aux «emplois masculins» traditionnels. En 2011, Al Dowayan a contribué à la Biennale de Venise avec Suspended Together, une installation de 200 colombes en fibre de verre suspendues au plafond. La colombe, un symbole qui est apparu dans ses travaux précédents, symbolise les femmes saoudiennes et, dans ce cas particulier, imprimée avec des documents d'autorisation de voyage, elle aborde la situation des femmes saoudiennes et leur besoin de l'autorisation d'un tuteur lors d'un voyage. Al Dowayan a demandé à des femmes saoudiennes de premier plan telles que des designers, des scientifiques, des éducateurs et des artistes, de fournir des documents d'autorisation pour son installation. Esmi - My Name est une installation issue d'un projet participatif qui a abordé les attitudes sociales uniques à l'égard des noms de femmes dans la société saoudienne.
Shirazeh Houshiary, Commission pour St Martin-in-the-Fields, Londres, 2008, collaboration avec Pip Horne sur la nouvelle fenêtre Est © fmpgoh / Flickr
Shirazeh Houshiary | L'Iran
Shirazeh Houshiary est devenu célèbre dans les années 1980 en tant que sculpteur. Sa pratique englobe désormais la peinture, l'installation, le cinéma et les projets architecturaux - comme la Commission pour St Martin-in-the-Fields, Londres (2008). Au cœur de sa pratique se trouve une fascination pour la tension entre le processus de désintégration et l'érosion de l'univers, et nos efforts pour essayer de le stabiliser. Cet élément transparaît dans son travail à travers des leitmotivs tels que des voiles, des brumes et des membranes - visualisant différents modes de perception. Houshiary s'inspire d'un large éventail de sources, dont le soufisme, la poésie du XVIIIe siècle, la physique et la peinture de la Renaissance. La transformation des matériaux est au cœur de son travail, déstabilisant la réalité. L'intérêt de Houshiary pour incarner physiquement des concepts spirituels, tels que le `` souffle '', l'a amenée à passer de plus en plus de ses formes sculpturales biomorphiques vers le bidimensionnel. Veil (1999) fait partie d'une série d '«autoportraits», basée sur l'idée que le mot est la manifestation du souffle. Le voile - tchador - est représenté comme un fond acrylique carré noir sur lequel elle a inscrit la calligraphie arabe à l'aide d'un crayon et en appliquant divers degrés de pression. Touch (1999) et Presence (2006-2007) sont également des œuvres monochromes avec calligraphie arabe sur fond acrylique blanc ou noir, rendues inintelligibles par des motifs complexes en graphite et pigment. Dans son premier projet vidéo, Breath (2003), Houshiary a visualisé le souffle à travers une animation numérique sur quatre écrans avec chaque moniteur présentant une brume en expansion et en contraste tandis que les invocations culturelles et religieuses sont récitées. Les mots sont une manifestation formelle du souffle, la brume des écrans son expression visuelle. Un nouveau souffle a été présenté comme une installation à la Biennale de Venise en 2013.
Mandana Moghaddan, Chelgis II, 2005, vue d'installation à la Biennale de Venise 2005 Gracieuseté de Mandana Moghaddan
Mandana Moghaddam | L'Iran
Ayant obtenu l'asile en Suède à la suite de l'exécution de son père pendant la révolution islamique, Mandana Moghaddam s'appuie sur son expérience de la dislocation pour créer des œuvres qui tentent de franchir les frontières culturelles et d'inspirer le dialogue interculturel. Engagée sur les thèmes de l'aliénation, de la communication et du genre, elle commémore également des aspects de la vie iranienne. Les installations de Moghaddam expriment une tension entre les sphères masculine et féminine, comme en témoigne sa série d'œuvres Chelgis (2005-2007), dans laquelle des matériaux tels que les cheveux et le béton ou les pistolets sont juxtaposés. Chelgis II (2005), présenté à la 51e Biennale de Venise, présente un bloc de ciment suspendu au plafond par quatre tresses de cheveux. Les tresses avec un ruban rouge - symbole de vivacité féminine, de lueur et de sensibilité - tolèrent et soutiennent le ciment lourd, symbole de la masculinité traditionnelle absolue ainsi que manifestation de monotonie et de froideur. Dans Chelgis IV, les tresses de cheveux soutiennent à nouveau une grande structure faite de miroirs. Le travail de Moghaddam exprime le sort des femmes dans le monde arabe, symbolisé par les cheveux: oppression et idéaux forcés. Mais ces mêmes cheveux, coupés, révèlent la force intérieure des femmes et leur libération. Dans une recherche de réconciliation, de dialogue et d'espoir, The Well (2008) de Moghaddam relie différentes villes du monde grâce à une installation de puits, qui envoie des flux audio à un autre puits dans un autre pays. En 2009, elle avait installé des puits à New Delhi, Bangalore, Göteborg et Séoul. Sara's Paradise (2009) parle de massacre et de commémoration, offrant une commémoration et une réflexion sur les 800 000 jeunes victimes de la guerre Iran-Irak.
Shadi Ghadirian, Untitled from White Square series, 2009, photographie Gracieuseté de Shadi Ghadirian
Shadi Ghadirian | L'Iran
À travers la photographie, Shadi Ghadirian explore les thèmes du conflit entre tradition et modernité, et la position des femmes dans une société dominée par les hommes. Son travail n'offre pas seulement une identification avec les femmes dans le monde arabe, mais indique également des conditions universelles qui établissent un lien entre l'Est et l'Ouest. Ghadirian a attiré l'attention du public en 2001 avec ses séries Like Everyday (2000-20001) et Qajar (1998-1999). Ce dernier est une série de photographies sépia dans le style de la dynastie Qajar (1794-1925): des femmes vêtues de vêtements traditionnels de l'époque posent avec des objets modernes, comme une radio, un ghetto-blaster, un téléphone ou un aspirateur. Les images commentent avec humour l'expérience contemporaine de la vie féminine iranienne, comme si elle existait en dehors du temps. Like Everyday présente des portraits de femmes entièrement recouverts de voiles à motifs, avec des ustensiles de tous les jours et des outils domestiques couvrant leurs visages. Les images pointent ironiquement vers l'interprétation unidimensionnelle de la femme au foyer, en réduisant leur identité aux objets ménagers. Ghadirian fait également référence à l'ombre toujours présente de la guerre dans la vie quotidienne, comme en témoignent ses séries My Press Photo (1999), Nil Nil (2008) et White Square (2009). Alors que ses collages de photos My Press Photo combinent des images tirées de catalogues d'agences de presse avec de vieux portraits d'hommes militaires iraniens, Nil Nil voit des objets de guerre - une grenade à main, une baïonnette sanglante, un masque à gaz - pénétrant la sphère domestique de manière absurde, comme dans une corbeille à fruits, comme couverts ou dans un sac à jouets pour enfants. White Square extrait ces outils de la mort de n'importe quel contexte ou arrière-plan et les présente comme dans une série de photographies de produits d'articles-cadeaux. Une grenade, un casque militaire, une ceinture de munitions, un masque à gaz, des bottes de combat militaires et d'autres objets sont placés sur un fond blanc, avec un ruban de satin rouge noué autour d'eux.
