Alors que nous nous enfonçons plus loin dans le monde moderne, il est important de réfléchir à l'art et à la culture d'un peuple issu d'une Amérique avant notre époque. L'histoire amérindienne est le reflet de luttes personnelles, éthiques et sociales. En l'honneur du Seneca Art and Culture Center sur le site historique de Ganondagan State, une fois détruit à Victor, New York, voici 13 artistes amérindiens que vous devriez connaître.
Art amérindien du nord-ouest du Pacifique © Ed Bierman / Flickr
Nampeyo
Reconnue à l'âge de 20 ans comme l'une des meilleures potières Hopi, Nampeyo (`` serpent qui ne mord pas '') a perfectionné le métier appris par sa grand-mère en utilisant des tessons de pot recyclés comme matériau de base. Sa poterie finement construite présentait un style, une précision et une durabilité que peu de gens pouvaient recréer. Nampeyo est bien connu pour ses conceptions mettant en vedette une technique connue sous le nom de polychrome, qui est l'utilisation de nombreuses couleurs vives et vibrantes comme les rouges, les bruns, les jaunes et les noirs profonds, peintes avec une feuille de yucca mâchée. Sa poterie avait un motif complexe et naturel utilisant des figures géométriques combinées avec des images d'animaux et de visages, puis immortalisé en utilisant une technique de cuisson qui remonte au 15ème siècle.
Ernie Pepion
L'histoire personnelle d'Ernie Pepion et son triomphe sur l'adversité sont au moins aussi magnifiques que son art. En tant que membre de la tribu des Pieds-Noirs, Ernie Pepion a passé la plus grande partie de sa vie comme éleveur et cavalier de rodéo. Il a servi plusieurs tours de service au Vietnam, mais malheureusement en 1971, il a été impliqué dans un accident de voiture grave, qui l'a relégué en fauteuil roulant en tant que quadriplégique. Pendant sa convalescence dans un hôpital, un autre patient lui a appris à peindre à l'aide d'un chevalet motorisé et d'une attelle pour la main et l'avant-bras. Inspirée pour surmonter des défis physiques, Ernie Pepion a fait l'objet d'un documentaire intitulé Ernie Pepion: The Art of Healing.
L'Indien © griannan / Flickr
Ma-Pe-Wi (Oriole)
Peu de gens savent que le travail de Ma-Pe-Wi est vu presque chaque jour par de nombreux Américains à travers le pays. Originaire de la tribu Zia Pueblo de Santa Fe, au Nouveau-Mexique, Ma-Pe-Wi Velina Shije Herrera n'a reçu aucune formation artistique formelle, mais a pu devenir l'un des peintres les plus prolifiques du 20e siècle. Ses dessins abstraits capturent souvent des représentations de la vie quotidienne de Pueblo et des danses cérémonielles. Ma-Pe-Wi est également bien connu pour son utilisation de la leachina, qui est un esprit des choses dans le monde réel profondément enraciné dans la culture Pueblo. Bien qu'initialement critiqué par sa propre tribu, Wi a autorisé l'État du Nouveau-Mexique à utiliser sa recréation du soleil Zia, qui orne désormais le drapeau de l'État.
Parr
Bien qu'en surface ses impressions puissent sembler plutôt simplistes, les créations de Parr expriment non seulement l'essence même de la culture inuite canadienne, mais sont une transformation de sa propre vie en art. Parr a vécu de façon nomade pendant la majeure partie de sa vie, et son travail reflète l'équilibre des mouvements entre l'homme et la nature. Ces dessins distinctifs mettent en valeur des scènes symbolisant le maintien de la vie par la chasse, la pêche et l'homme contre les éléments. Le travail de Parr a également une qualité spirituelle qui se reflète dans son utilisation d'anciens sujets chamaniques. Son œuvre Hunters of Old a finalement été immortalisée sur un timbre-poste canadien de 1977.
Lucy M. Lewis
Souvent décrite comme la Pablo Picasso de la poterie, Lucy M. Lewis a commencé à fabriquer de la poterie à l'âge de huit ans à partir de sa maison à Acoma, au Nouveau-Mexique. Son utilisation des lignes fines montre un équilibre distinctif entre l'artisanat, la précision et la symétrie. Malgré ses compétences et ses prouesses artistiques, Lewis n'avait aucune éducation formelle et était en grande partie autodidacte. Elle a été invitée à la Maison Blanche en 1977 et possède une collection permanente au Smithsonian Museum de Washington DC Tout au long de sa vie et de son travail, Lewis a reçu plusieurs distinctions, dont le New Mexico Governor's Award pour sa contribution personnelle exceptionnelle et la reconnaissance de l'American Crafts. Association des arts du College Council.
Collection d'environ 25 pièces de poterie indienne Pueblo de (?) La collection du révérend Dr. George Cole, vers 1900 (CHS-2668) © Ashley Van Haeften / Flickr
Kananginak Pootoogook
Kananginak Pootoogook était vraiment un homme parmi les éléments de la nature. En dépit d'être un sculpteur et graveur à l'encre du XXe siècle, il a vécu la plupart de ses débuts en voyageant d'igloos en hiver vers des maisons de gazon en été. En tant qu'artiste autodidacte, son travail reconnaît souvent la transition de la vie amérindienne traditionnelle à l'existence moderne. Le travail de Pootoogook montre également une unité claire et une appréciation du lien entre l'homme et la nature. Ses gravures reflètent des animaux imitant des qualités humaines, et vice-versa, montrant l'égalité de coexistence entre l'homme et la bête. Parmi de nombreux autres honneurs, une exposition de son travail a été présentée aux Jeux olympiques d'hiver de 2010 à Vancouver.
Bob Haozous
Plus célèbre, Bob Haozous note que «l'homme n'est pas en dehors de la nature, mais en fait partie». Le travail de Haozous présente un défi à la philosophie occidentale dépassant la pensée indigène. Bien qu'il ait servi dans la marine sur l'USS Frank Knox au Vietnam, Bob Haozous n'a jamais oublié ses origines Apache dans sa lutte contre le racisme et la marginalisation du peuple amérindien. Aussi solide que soit sa conviction, son travail reflète également une vision humoristique des opinions sociales et environnementales. Les peintures et sculptures de Bob Haozous peuvent être vues à l'échelle nationale et internationale dans des endroits comme le mémorial de l'Apache Holocaust à Dartmouth College et le West Phalian State Museum en Allemagne.
Art amérindien du nord-ouest du Pacifique © Ed Bierman / Flickr
Juane Quick-to-Sea Smith
L'art distinctif des médias mixtes de Juane Quick-to-Sea Smith incarne à la fois sa culture amérindienne et son enfance troublée. Abandonnée par sa mère, Smith relie ses défis personnels au défi de surmonter les mythes et les stéréotypes des Amérindiens. Chacun de ses mélanges uniques de peinture, d'images et de texte raconte une histoire individuelle d'adversité personnelle et de la nécessité de briser le statu quo. Son travail est largement vu au Smithsonian de Washington DC, au Whitney Museum et au Museum of Modern Art. Parmi les nombreux honneurs de Smith, mentionnons son Lifetime Achievement Award du Women's Caucus for the Arts.
Calvin Hunt
Ses sculptures en bois puissantes et frappantes donnent au spectateur une perspective profonde de la culture Kwakwakawakw du Pacifique Nord-Ouest du Canada. Les mâts totémiques, les masques et les tenues de danse sculptés à la main de Calvin Hunt sont sculptés dans du cèdre rouge. Son utilisation de peintures rouges et bleues vives donne vie à ses représentations d'animaux et d'hommes avec un niveau de réalisme sans équivoque et des images puissantes. Le travail de Calvin Hunt vise à montrer le monde à travers une unification symbolique de l'animal et de la légende. Son travail remarquable est si fort et direct qu'il possède sa propre galerie à la Royal Academy of Arts de la Colombie-Britannique.
Julia Jumbo
Largement considérée comme l'une des meilleures tisserandes de tapisserie navajo qui ait jamais vécu, Julia Jumbo est bien connue pour ses dessins complexes associés au plus haut niveau de précision. Jumbo est surtout reconnue pour son utilisation de la bordure «marguerite», dérivée d'une tisserande légendaire nommée Daisy Taugelchee. Ses tapisseries sont finement travaillées avec l'utilisation de lignes épingles droites et de motifs symétriques, entourées de bordures solides et frappantes en noir et blanc. Elle a utilisé son talent pour le tissage comme moyen de surmonter ses difficultés d'enfance ainsi que comme reflet de l'ordre personnel et social.
Art amérindien © PublicDomainPictures / WikiCommons
Jane Ash Poitras
Elle a certainement un passé unique. Jane Ash Poitras a été initialement formée pour être microbiologiste, mais sentait que sa véritable vocation était en tant qu'artiste et peintre de techniques mixtes. Dans le cadre du mouvement Dada (avant-garde du début du XX e siècle), Poitras a cherché sa force pour décrire les origines de sa descendance crie (le plus grand groupe d'Amérindiens). Son travail est surtout connu pour son imagerie prolifique de symboles sacrés amérindiens comme l'aigle. Pourtant, en tant que chrétienne, son travail contient également un fort élément spirituel qui est évident en Jésus, Marie et Joseph. L'art de Poitras est souvent considéré comme un défi à l'assimilation forcée de la culture aborigène.
Faye HeavyShield
Avec une combinaison de spiritualité et de féminisme, Faye HeavyShield est devenue l'une des premières artistes d'installation de ce siècle. Originaire de l'Alberta, au Canada, elle est célèbre pour sa transformation de la perception des espaces et de l'espace grâce à l'utilisation répétitive d'objets. Le symbolisme utilisé pour caractériser le pouvoir des femmes dans la culture moderne l'a placée au premier plan du mouvement féministe canadien. L'utilisation de la couleur par Faye HeavyShield confère à son travail une puissante qualité humaniste, et son spiritisme se reflète dans son utilisation récurrente de la guimpe (coiffe portée par les religieuses), comme thème de la connexion des femmes à Dieu.
