Alberto Giacometti, l'homme qui a créé une tribu d'étrangers en bronze élancés, maintenant à voir dans les musées du monde entier, a également créé à un moment donné des sculptures surréalistes et des espaces architecturaux de type labyrinthe. Découvrez les huit pièces qui vous aideront à comprendre l'évolution du maître moderne.
Cuillère femme
Giacometti est arrivé à Paris à l'âge de 20 ans, et n'a pas tardé à absorber toutes les influences riches que la capitale offrait à l'époque. Bien qu'il ait été formé par Bourdelle en sculpture classique, les travaux des cubistes et de Brancusi l'intéressent également. Mais c'est à travers la découverte de l'art africain, régulièrement exposé à Paris alors, qu'il se détache enfin des influences occidentales et s'approprie la frontalité, les symboles et les métaphores de ce type d'art. Dans Spoon Woman, l'une des plus célèbres de ses premières sculptures, la femme est un symbole de fertilité, comme le voient les Danois d'Afrique de l'Ouest. On y voit aussi des influences de formes cubistes et le début d'un intérêt permanent pour les types féminin et masculin.
Giacometti, Biennale de Venise, 1962 © Paolo Monti / Wikicommons
Tête regardant
Giacometti était devenu frustré, à partir de 1925, de son incapacité à exprimer sa vision intérieure particulière de l'anatomie. Pour échapper à cette frustration, Giacometti avait commencé à travailler de mémoire. À l'été 1927, il travaille sur une série de têtes inspirées de sa mère et de son père. Flirtant avec les dernières tendances de la sculpture et de l'expérimentation, avec des influences océaniques et africaines, il crée le Gazing Head en 1928, sa «première invention entièrement originale». Plaque plate et rectangulaire en tension, à la fois figurative et abstraite, c'est la pièce qui a retenu l'attention du groupe surréaliste. Il fera partie du groupe jusqu'en 1935, date à laquelle il décide de retravailler à partir de modèles, prêt à poursuivre sa quête d'externalisation de sa vision.
Le nez
Plus de dix ans après que Giacometti a été expulsé des surréalistes en raison de son besoin ou de son envie de sculpter de véritables têtes et modèles, il est devenu un artiste mondialement connu, original et excentrique, représenté par Pierre Matisse à New York, où ce la sculpture serait prise pour une exposition en 1947. Le Nez a toujours des traits surréalistes et une aura menaçante, mais nous sommes maintenant au milieu du vocabulaire défini de Giacometti - et au moment où il commence à développer «la cage». Une tête étrange et décapitée ressemblant à Pinocchio est suspendue à une cage en fer, son nez dépassant de l'espace délimité pour le travail, «le nez s'étendant au-delà des limites de sa prison.» L'expression faciale est celle de l'angoisse, et en effet cette pièce peut être considérée comme liée à son contexte - celui de la France existentialiste d'après-guerre, où Sartre (l'un des meilleurs amis de Giacometti) a beaucoup écrit sur l'angoisse de l'homme moderne, et qui avait si souvent été étendu à la production artistique de l'époque.
Le nez © Cliff / Flickr
Le chariot
Comme nous l'avons vu avec The Nose, lors de son séjour en Suisse pendant les années de guerre, Giacometti avait commencé à intégrer des structures et des sculptures. Le char représente une déesse au sommet d'un char avec de très grandes roues. Nous savons par savoir qu'il s'est inspiré des arts d'autres cultures et époques, et celui-ci rappelle les chars égyptiens qu'il avait vus au musée archéologique de Florence. Cependant, ce n'est pas simplement Giacometti qui joue avec l'art de l'antiquité; si ses femmes minces n'étaient pas assez minces, assez légères, Giacometti cherchait un moyen de `` positionner une figure dans un espace vide '' - une suspension rudimentaire si on le compare à The Nose, mais un exploit amusant et audacieux d'équilibre et de mouvement.
Le char © Mark B. Schlemmer / Flickr
Le Palais à 4h du matin
Giacometti était plongé dans le monde surréaliste depuis deux ans, et il avait créé, selon ses propres mots, des sculptures qui se sont présentées à mon esprit entièrement accomplies. Je me suis limité à les reproduire… sans me demander ce qu'ils pourraient signifier. Avec cette pièce, Giacometti donne à son langage formel, la possibilité de matériaux, un protagonisme qui leur est propre. Giacometti a vu une «netteté» en réalité, les corps «n'ont jamais été pour moi une masse compacte mais comme une construction transparente». C'est le produit de l'affaire de Giacometti avec une femme nommée Denise, avec qui il a construit un «palais fantastique la nuit» - le monde imaginaire de leur relation énigmatique, en train de prendre la forme d'un squelette architectural.
Place de la ville
Piazza présente un groupe de figurines qui, bien que pétrifiées, semblent avancer l'une vers l'autre. Pourtant, connaissant Giacometti, il est peu probable qu'ils se parlent ou se reconnaissent - ce qui ne fait que souligner le vide déjà évoqué. Ils sont absorbés dans leur propre espace, une fois de plus, sur le point de disparaître. Comme l'explique l'artiste: «Dans la rue, les gens m'étonnent et m'intéressent plus que n'importe quelle sculpture ou peinture. À chaque seconde, les gens affluent ensemble et se séparent, puis ils se rapprochent pour se rapprocher. À partir des années 1940, Giacometti a travaillé sans cesse sur ces personnages, mais la solitude inhérente aux personnages devient beaucoup plus directe.
Place de la ville © bobistraveling / Flickr
L'homme qui marche I / II
Fondé en 1961, il a été exposé un an plus tard à la Biennale de Venise. Il a été créé à l'apogée de sa carrière, où son expérimentation de l'anatomie humaine avait fait place à la solidification de son style. Sans doute la plus emblématique de la pratique de Giacometti, elle intègre staticité et mouvement, lourdeur du sujet et légèreté de la matière. Dans sa mélancolie bien connue, les promeneurs élancés et extraterrestres «semblent avoir été rongés par l'atmosphère même qui les entoure». Que ce soit de son propre chef ou non, les hommes de bronze de l'artiste ont été pris comme des emblèmes de la réalité brute de la vie dans la seconde moitié du siècle. Ami des existentialistes et individu plutôt sombre lui-même, l'art de Giacometti a mis en lumière l'absurdité et la fragilité humaines: «Le vide filtre partout, chaque créature sécrète son propre vide.
Homme qui marche © Yann Caradec / Flickr
