L'artiste norvégien Edvard Munch (1863-1944) était l'un des symbolistes et expressionnistes les plus en vue de son époque. Perdant sa sœur et sa mère à la tuberculose à un jeune âge, son art a servi de débouché à sa peur et à son anxiété. Ici, nous décrivons 11 des chefs-d'œuvre les plus obsédants de Munch, qui illustrent tous la perception émotive de l'artiste de la mortalité humaine.
Le cri
Le cri est la peinture la plus emblématique d'Edvard Munch, représentant un homme horrifié tenant ses oreilles sous un coucher de soleil ardent. L'image aurait été inspirée d'une vision que l'artiste avait lors d'une promenade avec deux amis, et entre 1893 et 1910, il a produit deux peintures à l'huile ainsi que deux pastels illustrant cette vision. Il a exprimé son expérience de la poésie sur le cadre de son pastel de 1895: «Je marchais le long de la route avec deux amis - le soleil se couchait - soudain, le ciel devint rouge sang - je m'arrêtai, me sentant épuisé et m'appuyai sur la clôture - il y avait du sang et des langues de feu au-dessus du fjord bleu-noir et de la ville - mes amis ont marché, et je me tenais là tremblant d'anxiété - et j'ai senti un cri infini traversant la nature. »
Le cri, 1910 © Musée Munch
Soirée sur Karl Johan
En 1891, Munch acheva sa fête du printemps aux couleurs vives sur la rue Karl Johan. Cette représentation joyeuse de la rue Karl Johan est l'opposé complet de l'image de Munch de la rue la nuit, qui a été achevée en 1892. Le soleil s'est couché, et un groupe de piétons en deuil semble s'éloigner d'un enterrement ou d'une sorte de terrible un événement. La façon dont cette image contraste si fortement l'ambiance de l'illustration de Karl Johan par Munch dans la journée ajoute un élément effrayant aux figures fantomatiques anonymes.
Soirée sur Karl Johan, 1892 © Musée Munch
Anxiété
Peint en 1894, Anxiety dépeint des personnages douloureux qui ne sont pas sans rappeler Le cri et la soirée de Karl Johan. Un pont apparemment familier sur un plan d'eau sous un ciel rouge sang ressemble étroitement au décor de The Scream. Les personnages fantômes au premier plan avec une tenue de deuil et des expressions faciales opprimées ressemblent au même groupe dans Evening on Karl Johan.
Anxiété, 1894 © Google Art Project / WikiCommons
Jalousie
Le triangle amoureux était un thème commun dans le travail de Munch, représenté à divers titres à travers 11 peintures différentes. La première jalousie a été peinte en 1895 et la dernière a été réalisée dans les années 1930; et bien que les paramètres ne soient pas les mêmes, chaque peinture émotive dépeint un homme jaloux regardant, paniqué, le spectateur tandis qu'un couple amoureux s'embrasse en arrière-plan. L'inspiration pour cette série est venue du désir de Munch et d'un collègue pour la même femme. Les artistes ont décidé de collaborer et chacun a fait ses propres peintures autour du thème de la jalousie. Ici, Munch se représente avec la femme, laissant son ancien amant dans un état de jalousie.
Jalousie, 1907 © Musée Munch
La mort de Marat
L'une des images les plus célèbres de la Révolution française est la peinture de l'influent artiste néoclassique Jacques-Louis David intitulée Death of Marat. Il montre le leader révolutionnaire Jean-Paul Marat mourant dans une baignoire après avoir été assassiné par Charlotte Corday, et il a été peint en 1793, quelques mois seulement après l'incident. Edvard Munch fait partie de plusieurs artistes qui se sont inspirés du chef-d'œuvre et ont créé leur propre version de la mort de Marat. Sa peinture à l'huile de 1907 montre non seulement une figure masculine mourant sur un lit sanglant, mais comprend également une représentation de la femme responsable. Sa récréation se décrit comme Marat et son amant Tulla Larsen comme la meurtrière, à la fois nue et encore troublante.
La mort de Marat, 1907 © Musée Munch
L'enfant malade
Edvard Munch a réalisé six versions de The Sick Child entre 1885 et 1926. L'image montre une jeune fille faible et pâle au lit avec une femme plus âgée, que l'on croit être sa tante, assise dans le chagrin à ses côtés. La sœur de Munch, Johanne Sophie, est morte de tuberculose à l'âge de 15 ans, ce à quoi il fait référence et revient dans ces tableaux. Lui-même a également failli mourir de la maladie infectieuse, et on pense que l'image enregistre son désespoir ainsi que sa culpabilité qu'il était le seul à survivre à la place de sa sœur.
L'enfant malade, 1907 © Musée Munch
La danse de la vie
La danse de la vie montre des couples dansant sous la lune lors d'une soirée d'été. Le point focal de la peinture est le couple au milieu, qui serait Munch et l'amour de sa vie, Tulla Larsen. L'image dans son ensemble raconte une expérience humaine, et les deux femmes face au couple de chaque côté représentent les différentes étapes de la vie d'une femme. Celui de gauche, atteignant la fleur dans sa robe blanche, représente une innocence enfantine tournée vers l'avenir, et la femme aux couleurs sombres montre une silhouette mature regardant le couple avec tristesse. Ceci est un excellent exemple de la sensibilité émotionnelle du peintre et de sa vision quelque peu mélancolique de la vie et de l'amour.
La danse de la vie, 1925 © Musée Munch
Séparation
Cette image triste et émotionnelle a été peinte en 1896. Elle illustre l'amour, la perte et le chagrin, montrant un jeune homme appuyé contre un arbre et tenant son cœur avec une femme sans visage illuminée en arrière-plan. L'image représente clairement des amants séparés, mais parce que la femme est présentée comme une figure angélique flottant, elle symbolise peut-être que même si l'amour de l'homme a disparu, les souvenirs d'elle et du passé le hanteront toujours.
Séparation, 1896 © Google Art Project / WikiCommons
La puberté
Edvard Munch a créé la puberté entre 1894 et 1895. Il illustre une jeune fille nue qui vient d'entrer dans l'âge de la puberté et est l'une de ses images les plus controversées. Parce que le corps de la fille est peint avec autant de détails, beaucoup pensent que c'est une image d'un modèle vivant. La fille s'assoit timidement sur le lit, les jambes fermées et les bras croisés, se couvrant, peut-être représentative d'une sexualité refoulée. Une ombre sombre se cache à côté de la fille, peut-être symbolique de son anxiété et de sa peur de grandir.
Puberté, 1894-95 © Musée Munch / WikiCommons
Vampire
Cette image est l'une des images les plus controversées et les plus choquantes de l'histoire de l'art européen, et aussi l'une des pièces les plus reproduites et les plus convoitées de Munch. Il fait partie de sa série de 20 pièces intitulée The Frieze of Life et s'appelait à l'origine Love and Pain. Munch a fait quatre versions de cette image et a toujours insisté sur le fait que ce n'était rien de plus qu'une femme réconfortant un homme, mais une fois rendu public en 1894, beaucoup l'ont vu comme un homme enfermé dans l'étreinte d'un vampire à tête rouge, le liant à la sado- masochisme, les relations de Munch avec les prostituées
.et certains y ont même pensé comme un fantasme de sa sœur décédée. C'est ainsi que l'image a pris le nom de Vampire, ce qui est toujours le cas aujourd'hui.
Vampire, 1893 © Google Art Project / WikiCommons
