Fidèles à la tradition des légendes passées comme Watanabe Riki, Kappei Toyoguchi et Shiro Kuramata, les designers contemporains japonais adoptent également la simplicité éthérée et la brillance industrielle de pointe. Culture Trip vous propose dix poids lourds du design vivant à la croisée de l'art, de la fonctionnalité et de la technologie, qui repoussent sans cesse les limites du design de mobilier moderne.
Visuellement sobre mais créativement complexe, le design japonais cache souvent des matériaux et des concepts technologiquement avancés derrière son minimalisme audacieux qui a contribué à façonner le design de mobilier contemporain tout au long du 20e siècle. Des créations abordables d'après-guerre de feu Riki Watanabe aux installations futuristes inspirées de Tokujin Yoshioka, les designers japonais ont constamment comblé le fossé entre la simplicité quotidienne et l'innovation industrielle, la praticité et l'art. Une force à laquelle il faut compter dans l'industrie mondiale, leur travail figure dans certaines des plus grandes collections de musées du monde, bien que leurs noms restent encore en quelque sorte négligés dans le domaine commercial.
Refonte du projet
Daisaku Choh
L'une des grandes figures de la création japonaise, Choh, reste active dans le domaine du mobilier et de la conception architecturale à l'âge impressionnant de 92 ans. Son concept de marque est celui de la re-conception, où il revisite les anciens classiques de sa longue collection afin de livrer des versions nouvelles et améliorées, tout en préservant son amour pour les formes organiques. La chaise Persimmon est restée un incontournable du design moderne depuis 1960, date à laquelle elle a été introduite pour la première fois, remportant le prix d'or pour le stand du Japon à la 12e Triennale de Milan. Autre produit de la même année, la chaise Sakura est un autre design emblématique de Choh, combinant un style moderne avec des pieds intelligents qui répartissent le poids, épargnant le tapis de tatami traditionnel des dommages.
Une proposition de conception collective
Masayuki Kurokawa
Kurokawa pense qu'en donnant aux matériaux une forme et une fonction, il les aide à affirmer leur propre vie. En conséquence, sa célèbre série GOM - qui fait maintenant partie de la collection du Museum of Modern Art de New York - a donné aux objets banals comme les cendriers, les sous-verres et les stylos une finition en caoutchouc et un bord incomparable qui les maintient toujours d'actualité. Impliqué à la fois dans l'architecture et la conception de produits, Kurokawa a créé son propre bureau d'architecture K-System, une organisation qui vend son travail et celui des designers qu'il sélectionne. L'un de ses derniers projets collectifs est Design proposition, un site Web qui fournit des mémoires de cinq sociétés membres, dont K, puis invite des designers du monde entier à soumettre leurs réponses; c'est «une plate-forme de production, dans laquelle les concepteurs et les distributeurs peuvent se rencontrer à travers des idées».
Crystal Clear Vision
T okujin Yoshioka
Représentant la jeune culture de créateurs excellant actuellement dans des spectacles internationaux comme le Salone del Mobile de Milan, et ayant déjà trouvé son chemin dans certaines des plus grandes collections de musées du monde, Yoshioka imprègne ses créations d'une fraîcheur décisive. De projets plus à l'ancienne avec le designer Issey Miyake à sa collaboration actuelle avec la marque italienne Kartell, MOROSO et Driade, Yoshioka crée une interaction de matériaux comme l'aluminium, le cristal ou le verre, les sculptant en objets vivants fascinants qui, même s'ils proviennent de la vieux jours, on dirait qu'ils sont du futur. L'utilisation de la lumière comme matériau de conception est essentielle à son travail, utilisé pour capturer et élever les sens. Au tournant du nouveau siècle, sa marque de fabrique Honey-Pop Chair l'a propulsé vers la célébrité, à la fois en radicalisant et en personnalisant le design: fait exclusivement de papier blanc plié en accordéon, étrangement assez solide pour s'asseoir, il est finalement personnalisé moulé par la forme du corps de son utilisateur.
Ergonomie et comportement humain
Makio Hasuike
Concevant initialement des horloges pour Seiko à Tokyo, Hasuike a fui le Japon pour l'Italie dans les années 1960, où il a créé Makio Hasuike & Co Design - l'un des premiers studios de design industriel du pays. Passionné d'ergonomie, il observe depuis longtemps le comportement humain, créant des œuvres architecturales et des objets utilisant son expérience et sa polyvalence. Au cours de sa collaboration avec Gedy, de 1968 à 1979, il a créé une série d'accessoires de salle de bain, des distributeurs aux lampes, en utilisant les technologies les plus avancées de l'époque. Son populaire «sac à dos Impronta», pour sa propre marque MH Way, a ingénieusement caché une technique de fabrication utilisée pour les corsets pour femmes derrière sa ligne minimaliste. Désireux de partager ses connaissances avec les générations futures, Hasuike est enfin un éducateur, après avoir co-fondé le Master en conception stratégique à l'École polytechnique de Milan.
Les jeux scientifiques
Isao Hosoe
Les besoins et les habitudes humaines, ainsi que les diverses dynamiques culturelles, stimulent l'imagination de Hosoe. En conséquence, ses créations sont un mélange de recherche scientifique approfondie et de pensée innovante - habillées de couleurs neutres et vibrantes. Résident de Milan depuis 1967, il a également travaillé en tant que professeur de design industriel à l'École polytechnique de la ville. Sa lampe de table flexible Hebi (`` Serpent '') est un classique du design du 20e siècle, actuellement hébergée parmi les collections permanentes MoMA de New York, tandis que sa chaise de bureau Tacit est un mélange idéal de fonction, de confort et de design ludique, une caractéristique commune du travail de Hosoe..
Revitaliser la monotonie
Motomi Kawakami
Kawakami est spécialisé dans la conception de produits, l'environnement et l'espace, où la relaxation, la flexibilité et la haute performance sont essentielles. Sa philosophie est souvent mise à profit dans des environnements professionnels, qu'il propose à la fois des alternatives esthétiques et technologiquement sophistiquées. Kawakami a créé son studio de design personnel en 1971, après avoir acquis de l'expérience aux côtés du designer industriel et architecte italien Angelo Mangiarotti à Milan. À la fin de la décennie, lorsqu'une crise pétrolière a fait exploser les prix des matériaux pétrochimiques, il a développé son Blitz primé (maintenant Tune) - une chaise pliante, confortable et mince, qui a fait un usage minimal du matériau et de l'espace.
L'innovation industrielle rencontre l'art japonais
Toshiyuki Kita
Populaire dans le monde des musées, l'œuvre de Kita s'étend du Centre Pompidou de Paris au MoMA de New York et à la Pinakothek der Moderne de Munich. Travaillant entre l'Italie et le Japon, il a d'abord attiré l'attention sur son travail dans les années 80, lorsqu'il a conçu pour Cassina le fauteuil Wink (1980) et la table Kick (1983) - des compagnons de salon colorés et pratiques à parts égales. Malgré son amour du design industriel (qui s'étend des téléviseurs LCD Aquos qu'il a fabriqués pour Sharp, au robot Wakamaru), Kita est soucieux de l'environnement et dévoué à la vitalisation des industries locales, en utilisant des techniques dérivées des anciennes traditions japonaises. Pour lui, les couleurs rouge vif et jaune flirtent avec des formes organiques subtiles, et un récipient en laque de base ou une lampe en papier washi fait main sont aussi précieux qu'une montre intelligemment conçue.
Provocateur post-moderne
Masanori Umeda
Avant de créer sa propre pratique de design, U-Meta Design, à Tokyo dans les années 80, Umeda a travaillé en Italie à côté des célèbres Achille et Pier Giacomo Castiglioni, et a eu un passage en tant que consultant en design pour Olivetti. Un tournant dans sa carrière et son développement a cependant été sa collaboration avec le groupe Memphis d'Ettore Sottsass - une équipe de designers internationaux résolument ironique, flashy et dynamique qui a confirmé le goût d'Umeda pour le post-modernisme. Ses contributions comprenaient des systèmes d'étagères sous la forme d'un robot, peints de manière excentrique dans une palette de couleurs féroces (Ginza Robot Cabinet, Memphis Group, 1982) et des chaises poétiques en forme de rose avec des oreillers en velours doux (Rose Chair, Edra, 1990-91). Provocateur, ironique ou romantique, une chose est sûre: Umeda peut difficilement passer inaperçu.
Harmonies (in) visibles
Shigeru Uchida
Répartissant son temps entre le mobilier, la décoration intérieure, l'architecture et l'urbanisme, le travail d'Uchida a été influencé par le japonais Shiro Kuramata et le pionnier Mies van der Rohe. Le créateur essaie d'harmoniser le visible et l'invisible, le touchable et l'intouchable, en créant une œuvre raffinée, fine et élégante. Au fil du temps, il a développé des liens solides avec le monde de la mode, concevant des intérieurs pour des designers tels que Issey Miyake et Yohji Yamamoto, ainsi que le Kboe Fashion Museum. Ses lanternes en papier Moon Moon, en revanche, déclarent l'amour d'Uchida pour le passé culturel et reflètent sa philosophie dominante: actualiser les valeurs traditionnelles avec un design résolument moderne.
