À première vue, l'œuvre de Wassily Kandinsky pourrait vous dérouter; comment toutes ces peintures disparates peuvent-elles provenir d'un même artiste? Né à Odessa, il a vécu à la fois la révolution d'octobre en Russie puis la montée des nazis en Allemagne avant de s'installer à Paris pour vivre le reste de sa vie. L'œuvre de Kandinsy a subi des changements incroyables - et les dix peintures ci-dessous sont un excellent moyen de voir la preuve.
Der Blaue Reiter (1903)
Kandinsky serait finalement crédité de la création de la première peinture purement abstraite - mais Der Blaue Reiter ne l'est pas. Ce tableau, achevé en 1903, est un bon exemple de ses œuvres antérieures, qui montrent les influences de l'impressionnisme français et, dans une certaine mesure, du pointillisme. Ce travail en particulier finirait par se souvenir pour une autre raison - en 1911, Kandinsky faisait partie d'un groupe d'artistes allemands et russes pour fonder un groupe appelé Der Blaue Reiter, ou The Blue Rider, en réponse à une peinture différente de son rejet de une exposition - bien qu'il soit peu probable qu'il ait nommé le groupe d'après cette peinture.
Der Blaue Reiter Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Murnau, train et château (1909)
Les peintures de Kandinsky deviendraient progressivement de plus en plus abstraites, et avec Murnau, Train and Castle, vous pouvez voir un arrêt en cours de route. Kandinsky l'a peint en 1909 après avoir parcouru une grande partie de l'Europe, puis décidé de s'installer à Murnau - une petite ville de Bavière. Dans cette peinture, vous pouvez voir comment la couleur joue un rôle presque aussi important que les formes qu'elle façonne, bien que les formes ici soient toujours elles-mêmes claires; le train et le château sont évidents, tout comme divers éléments de l'arrière-plan.
Murnau, train et château Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Le cavalier (1911)
The Rider, une peinture de 1911 - au début de l'époque de Kandinsky dans le groupe The Blue Rider - offre une bonne chance de comparer et de contraster ses travaux antérieurs et ultérieurs, d'autant plus que le sujet ici est si similaire à Der Blaue Reiter ci-dessus. Le cheval et le cavalier sont clairs ici, mais ce ne sont que des lignes et des couleurs sans les petits détails et la scène d'arrière-plan que vous trouverez dans la peinture précédente. C'est en fait l'une de ses œuvres les moins abstraites de la période, mais elle capture toujours la même énergie et la même force.
Le cavalier © Wassily Kandinsky
Improvisation 27 (1912)
Pour Kandinsky, qui se réfère souvent à ses tableaux avec des termes généralement réservés au monde de la musique, les «improvisations» sont des pièces spontanées et imprévues, tandis que les «compositions» sont plus complexes et planifiées. Son utilisation de la terminologie n'est pas le fruit du hasard; en tant que théoricien de l'art, il a vu de nombreux liens entre la façon dont la musique et l'art abstrait peuvent atteindre des sentiments et des émotions purs - mieux, selon lui, que des pièces réalistes. L'improvisation 27 est aussi appelée The Garden of Love II, ce qui donne un nouveau potentiel à ce qu'elle exprime.
Improvisation 27 © Wassily Kandinsky
Composition VI (1913)
Composition VI est une pièce abstraite que Kandinsky entendait produire des images spécifiques - en particulier, l'apocalypse par l'eau, plus le baptême et la renaissance, le tout dans une peinture géante. Cependant, il a rencontré un bloc en cours de route, qu'il ne pourrait franchir qu'en suivant les conseils d'un ami pour répéter le mot allemand pour `` inondation '' (überflut) encore et encore, en entendant le son mais en ignorant le sens. Cela lui a permis de se libérer de ses pensées sur la pièce, et après cette percée, il l'a achevée en trois jours.
Composition VI Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Composition VII (1913)
Composition VII est une sorte d'aboutissement de ces années Blue Rider, car pour lui, c'était la pièce la plus complexe qu'il ait jamais peinte. Comme les compositions qui l'ont précédée, cette peinture a un côté très spirituel - comme une grande partie du travail de Kandinsky. Il voulait créer un lien spirituel entre lui et les spectateurs à travers la peinture - un conduit qui évoquait des sentiments similaires des deux côtés. Bien que cela puisse ressembler à des éclaboussures de formes et de couleurs, Kandinsky a vu une signification pour chaque couleur, et il les a assemblées avec un grand but.
Composition VII Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Points (1920)
Avec Points, vous avez la chance de voir la prochaine direction des peintures de Kandinsky. Ils sont progressivement devenus plus géométriques, et Points est une bonne illustration de la façon dont il a conçu ces formes géométriques. Les deux éléments principaux de ses peintures à cette époque étaient des lignes et des points. Les deux ont pris des significations supplémentaires dans sa théorie; un point est simplement une forme dans la peinture, non limitée à une couleur, une taille ou une forme spécifique. Les lignes sont le résultat d'un artiste appliquant une force sur un outil, un pinceau ou un crayon, dans une direction spécifique, et même les directions et les courbes (ou leur absence) des lignes ont une signification spécifique pour Kandinsky.
Points Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Sur blanc II (1923)
L'une de ses œuvres les plus célèbres, On White II, peinte en 1923 (trois ans après Points, qui a été peinte en 1920), montre le développement qu'a connu la peinture géométrique de Kandinsky en relativement peu de temps. Les lignes sont plus nettes, les formes plus nettes - mais elles étaient toutes régies par la compréhension de Kandinsky de ce que signifiaient les différentes lignes et couleurs lorsqu'elles se sont réunies. Pour lui, le blanc symbolisait un silence complet et une possibilité complète, et le blanc et le noir forment le deuxième grand contraste de couleurs, que vous pouvez également voir dans cette pièce.
Sur blanc II © Wassily Kandinsky
Plusieurs cercles (1926)
Plusieurs cercles se distinguent par la façon dont Kandinsky utilise les couleurs, les cercles parfaits se chevauchant et leurs couleurs se mélangeant pour en former de entièrement nouvelles. Le fond noir est également important - pour lui, le noir symbolisait, tout simplement, la mort, mais aussi le désespoir et le néant. Les autres couleurs, cependant, ajoutent à l'impression générale de la pièce, qui à première vue semble plutôt colorée et lumineuse, comme des feux d'artifice ou des planètes; ils avaient chacun leur propre signification, ainsi que les combinaisons entre eux. Le bleu, par exemple, est une couleur qui, pour Kandinsky, appartenait au ciel et devait évoquer un profond sentiment de calme.
Plusieurs cercles Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
